Folk und Weltmusik

Geschichte und Charakter

„Folk und World“ umfasst die traditionellen und volkstümlichen Musiken der Welt und ihre modernen Weiterentwicklungen: mündlich überlieferte Lieder und Tänze (Folk im engeren Sinn), nicht-westliche Kunstmusiken mit eigenen Theoriesystemen (das arabische, türkische und persische Maqam; das indische Raga; das japanische Gagaku), urbane Musiken, die aus der Begegnung von Traditionen entstanden sind (Fado, Rebetiko, Flamenco, amerikanischer Klezmer, Tango, Musik des Balkans), sowie deren Pop- und Filmversionen (Bollywood, C-Pop, britischer Bhangra, Celtic Pop, amerikanisches Folk-Revival). Der kommerzielle Begriff „World Music“ wurde 1987 bei einem Treffen der britischen Plattenindustrie übernommen, um diesen Musiken in den Plattenläden ein gemeinsames Regal zu geben; das Etikett wurde kritisiert, weil es völlig verschiedene Kulturen zusammenwirft und sie vom „westlichen“ Pop trennt, ist aber nach wie vor in Gebrauch, ebenso wie „Weltmusik“ oder „traditionelle Musik“.

Das Studium dieser Musiken ist das Feld der Ethnomusikologie (Béla Bartók und Zoltán Kodály mit ihren Feldaufnahmen; Alan Lomax in den USA; in Italien Diego Carpitella und Roberto Leydi; Institutionen wie Smithsonian Folkways, das Archivio di Etnomusicologia der Accademia di Santa Cecilia, die UNESCO-Liste des immateriellen Kulturerbes, in die unter anderem der Flamenco 2010, der Fado 2011 und der Rebetiko 2017 eingetragen sind). Viele Genres dieser Gruppe erlebten dank Revivals (amerikanisches und britisches Folk-Revival der 1950er–60er Jahre, Wiedergeburt von Klezmer und irischer Musik in den 1970ern, „Nuevo Flamenco“ der 1970er–80er) und Fusionen mit Rock, Jazz, Elektronik und Hip-Hop (Real World Records von Peter Gabriel, 1989; Paco de Lucía mit dem Jazz; Bollywood mit Elektronik; Bhangra mit Hip-Hop; Rosalía mit urbanem Flamenco) ein zweites Leben.

Für Produzent:innen bietet diese Welt drei Ressourcen: von Dur/Moll abweichende Tonsysteme (Modi, Maqamat mit Vierteltönen, Raga, japanische pentatonische und ganztönige Skalen, jüdisches Freygish), zyklische und asymmetrische Rhythmuskonzepte (12er-Compás, Aksak 7/8 und 9/8, Tala, Iqa') und Klangfarben (Oud, Bouzouki, Guitarra portuguesa, Sitar, Dhol, Tumbi, Uilleann Pipes, Koto, Shakuhachi, Erhu, Guzheng, Kaval, Darbuka). Es braucht jedoch Respekt: Jede Tradition hat Regeln, Kontexte und Bedeutungen (sakrale, soziale, rituelle), die man kennen sollte, bevor man sampelt oder eine Produktion „einfärbt“.

Tonleitern und Tonarten

Jede Tradition hat ihr eigenes System; hier die wichtigsten Familien mit Beispielen auf einem konkreten Grundton (römische Ziffern in Moll beziehen sich auf natürliches Moll, wo es sinnvoll ist, von Akkorden zu sprechen). Die diatonischen Akkorde sind jene, die entstehen, wenn diese Skalen westlich harmonisiert werden (in der traditionellen Praxis gibt es oft nur einen Bordun).

Hemitonfreie Pentatonik (ohne Halbtöne)

• Dur 1 2 3 5 6 — C: C D E G A. Moll 1 b3 4 5 b7 — A: A C D E G.
• Farbe: offen, sangbar, „universell“: China (Gong, Shang, Jue, Zhi, Yu), Japan (Yo), Schottland und Irland, Westafrika, Blues, Gesänge der amerikanischen Ureinwohner, Anden.
• Typische Akkorde bei Harmonisierung: I, IV, V, vi (bzw. i, III, iv, v, VII).

Diatonische Modi (europäischer und amerikanischer Folk)

• Ionisch (1 2 3 4 5 6 7), Mixolydisch (1 2 3 4 5 6 b7), Dorisch (1 2 b3 4 5 6 b7), Äolisch (1 2 b3 4 5 b6 b7). D-Mixolydisch: D E F# G A B C; D-Dorisch: D E F G A B C.
• Charakteristische Töne: mixolydische b7 (keltisch, amerikanisch), dorische 6 (keltisch, Balkan, Balladen).
• Akkorde: Mixolydisch I ii iii° IV v vi bVII; Dorisch (bezogen auf natürliches Moll) i ii III IV v #vi° VII.

Phrygisch und Phrygisch dominant (Andalusien, Naher Osten, Balkan, Klezmer)

• Phrygisch 1 b2 b3 4 5 b6 b7 — E: E F G A B C D. Phrygisch dominant (verwestlichtes Hijaz, Freygish) 1 b2 3 4 5 b6 b7 — E: E F G# A B C D.
• Charakteristischer Ton: die b2, die zur Tonika absteigt; beim Phrygisch dominant zusätzlich die große 3 (übermäßige Sekunde F–G#).
• Akkorde (bezogen auf natürliches Moll mit erhöhter Terz): I (E) bII (F) III (G) iv (Am) — die andalusische Kadenz Am–G–F–E (iv–III–bII–I in E-Phrygisch; i–VII–VI–V in a-Moll).

Doppelharmonisch (byzantinisch, „arabisch“ im westlichen Sinn)

• 1 b2 3 4 5 b6 7 — C: C Db E F G Ab B. Zwei übermäßige Sekunden (Db–E, Ab–B). Intensiv „orientalische“ Farbe (Maqam Hijazkar, Zigeunerskalen, Rebetiko).

Maqamat (arabische, türkische und persische Welt)

• Basieren auf Ajnas (Tetrachorde/Pentachorde) und auf neutralen Intervallen (etwa drei Viertel eines Ganztons). Beispiele: Rast auf C: C D E𝄳 F G A B𝄳 C (E und B „halb erniedrigt“); Bayati auf D: D E𝄳 F G A Bb C D; Hijaz auf D: D Eb F# G A Bb C D; Saba auf D: D E𝄳 F Gb A Bb C. Traditionell werden sie nicht harmonisiert: Man spielt sie über einem Bordun oder in Heterophonie.

Raga (Indien)

• Ein Raga ist nicht nur eine Skala: Er hat spezifische Auf- und Abwärtsbewegungen (Arohana/Avarohana), wichtige Töne (Vadi/Samvadi), charakteristische Phrasen (Pakad), eine Tageszeit und eine Stimmung (Rasa). Die 10 Thaat nach Bhatkhande klassifizieren die Skalen: Bilaval (= Dur), Kalyan (= Lydisch), Khamaj (= Mixolydisch), Kafi (= Dorisch), Asavari (= Äolisch), Bhairavi (= Phrygisch), Bhairav (1 b2 3 4 5 b6 7, = doppelharmonisch), Marva, Purvi, Todi.

Japanische Skalen

• Yo: 1 2 4 5 6 — D: D E G A B (hemitonfrei). In / Miyako-bushi: 1 b2 4 5 b6 — D: D Eb G A Bb (hemitonisch). Ryūkyū (Okinawa): 1 3 4 5 7 — C: C E F G B.

Jüdische Modi (Klezmer)

• Freygish (Ahava Rabboh) = Phrygisch dominant; Mi sheberakh (Dorisch mit #4): 1 2 b3 #4 5 6 b7 — D: D E F G# A B C; Adonoy molokh (Mixolydisch); Mogen ovos (Äolisch).

Wie man wählt

Wähle zuerst die Tradition, dann ihr System: Einen generischen „World-Modus“ gibt es nicht. Wenn du harmonisierst (Pop, Film), bleib nah am Bordun und an den Kadenzen der jeweiligen Tradition (andalusisch für Flamenco, bVII–I für Keltisch, i–bII für Hijaz) und erzwinge nicht den westlichen Leitton, wo es ihn nicht gibt.

Harmonik

Allgemeine Prinzipien

• Bordun (Drone): der Grundton (und oft die Quinte) unter der Melodie gehalten: indische Tanpura, Dudelsäcke, Drehleier, Sanshin und Shō in manchen Formen, Bordune von Oud und Saz, Harmonium im Qawwali. Viele Traditionen kennen keine funktionale Harmonik: Sie haben Melodie + Bordun + Perkussion.
• Heterophonie: mehrere Instrumente spielen dieselbe Melodie mit gleichzeitigen Varianten (arabisches Takht, Gagaku, chinesische Ensembles, irische Sessions, Klezmer).
• Modale Harmonik, wenn die Tradition auf Gitarre oder Klavier trifft: andalusische Kadenz (Flamenco), I–bVII–IV (keltisch, amerikanischer Folk), i–iv–v (Fado menor), I–IV–V und I–V7 (Fado, Rebetiko, Folk), Akkorde „ohne Terz“ (Powerchords) unter modalen Melodien.
• Pop-Harmonisierung in modernen Versionen (Bollywood, C-Pop, Celtic Pop): westliche Progressionen (I–V–vi–IV, IV–V–iii–vi) unter pentatonischen oder modalen Melodien, oft mit Pads und Streichern.
• Entlehnungen und Alterationen, die der Tradition eigen sind: die b2 des Flamenco über dem großen Tonika-Akkord, die #4 des Klezmer, die arabischen Vierteltöne (auf temperierter Gitarre und Klavier unmöglich: man nimmt Oud, Qanun, Stimme, Geige oder Pitch Bend).

Harmonischer Rhythmus

Oft sehr langsam (Bordun über ein ganzes Stück) oder an den rhythmischen Zyklus gebunden: Im Flamenco wechseln die Akkorde auf genau festgelegten Zählzeiten des Compás; im Fado und Rebetiko folgen sie der Strophe; im anglo-amerikanischen Folk folgen sie der Phrase (ein Akkord pro Takt).

Voicing

Offene Akkorde mit leeren Saiten (Gitarre in DADGAD oder in offenen Stimmungen im Keltischen und Amerikanischen; Flamencogitarre mit den leeren E- und H-Saiten über den Akkorden; griechische und irische Bouzouki mit Doppelgriffen), leere Quinten, mittleres Register; in modernen Produktionen breite Pads unter traditionellen Instrumenten im Vordergrund.

Typische Akkordfolgen

Rhythmus und Groove

• Zyklen statt Takte: indische Tala (Teentaal 16 Schläge, Keherwa 8, Dadra 6, Rupak 7, Jhaptaal 10), arabische Iqa'at (Maqsum 4/4, Baladi, Sa'idi, Wahda, Sama'i thaqil 10/8, Dawr hindi 7/8), 12-zeitiger Flamenco-Compás (Soleá, Alegrías, Bulerías, Seguiriya), Aksak des Balkans und der Türkei (7/8, 9/8, 11/8).
• Unregelmäßige und additive Metren: 2+2+3, 3+2+2, 2+2+2+3, 3+3+2 (Bulgar im Klezmer, Tresillo).
• Freier Rhythmus (nicht gemessen): Doina, Taqsim, Alap, Cante libre, Sean-nós, Arbeitslieder.
• Swing und Feel: Irische Jigs und Hornpipes haben eine Ungleichheit der Achtel; der Punjabi-Chaal ist „hüpfend“; der Bluegrass-Groove drückt auf den Offbeat (Mandolinen-Chop auf 2 und 4).
• Tanz als Ursprung: Die meisten Rhythmen sind an bestimmte Schritte gebunden (Sevillanas, Kalamatianos, Hora, Bhangra, Jig, Reel, Dabke).

Schlagzeug

Wie Perkussion in traditionellen Musiken „denkt“

• Zyklus und Wiederkehr: Der Perkussionist markiert die erste Zählzeit des Zyklus (Sam im Tala, Dum im Iqa', die 12 in der Bulería) und die inneren Artikulationen; die gesamte Variation dient dazu, die Wiederkehr spürbar zu machen.
• Tiefe und hohe Klänge (Dum/Tak der Darbuka, Dagga/Tilli der Dhol, Bayan/Dayan der Tabla, Bass-/Slap-Schlag des Cajón, Schlägel/Stock des Tapan): eine „Grammatik“ aus zwei bis drei Klängen, aus der alle Patterns gebaut werden.
• Hände und Körper: Palmas und Zapateado (Flamenco), Händeklatschen (Rebetiko, arabische Musik), Füße (irischer Steptanz, amerikanisches Clogging).
• Wichtigste Instrumente: Darbuka, Riq, Daf, Bendir (Naher Osten und Nordafrika); Tabla, Dholak, Dhol, Mridangam, Kanjira (Indien); Cajón, Palmas, Kastagnetten (Flamenco); Bodhrán, Bones, Löffel (keltisch); Tapan und Darbuka (Balkan); Taiko, Kotsuzumi, Ōtsuzumi (Japan); Gong, Becken, chinesische Trommeln; Waschbrett und Jug (amerikanischer Folk).

Zusammenspiel mit Melodie und Stimme

Die Perkussion folgt dem Sänger: In freien Passagen setzt sie aus oder reduziert sich und steigt mit dem Zyklus wieder ein; bei Tänzen führt sie die Tanzenden mit Signalen (Llamadas, Tihai, Schlüsse).

In modernen Produktionen

Traditionelle Perkussion wird über elektronische Kicks und Bässe gelegt (Bhangra mit 808, elektronischer Dabke, urbaner Flamenco mit Reggaeton, Afro-Fusion): Es empfiehlt sich, die tiefen traditionellen Klänge zu stimmen und zu filtern, damit sie nicht mit der Kick kollidieren, und den hohen Klängen (Tak, Slap, Tilli) die Definition des Patterns zu überlassen.

Typische Fehler

Rhythmen starr quantisieren, die von Microtiming leben; eine 4/4-Kick unter einen 12er- oder 7er-Zyklus legen; die zyklus-eigenen Akzente ignorieren; die „falsche“ Perkussion für die Tradition verwenden (Taiko im Keltischen, Darbuka im Bluegrass).

Bass

• In vielen Traditionen existiert der Bass nicht als Linie: Es gibt den Bordun (Tanpura, Dudelsäcke, Drehleier, Sanshin mit Quinte, Harmonium) oder das tiefe Register der Perkussion (Dum, Dagga, Cajón).
• Wo es ihn gibt: Kontrabass im Bluegrass und im amerikanischen Folk (Grundton–Quinte), im amerikanischen Klezmer, im Tango; Gitarre in der Basslinie (Fado: die Viola; Flamenco: Daumen auf den tiefen Saiten; Rebetiko: Gitarre mit Wechselbässen); Tuba und Bombardon in Balkan-Blaskapellen (Oom-Pah); E-Bass und Synth-Bass in Popversionen.
• Töne: Grundton und Quinte, Wechselbässe, Abstiege der andalusischen Kadenz (A–G–F–E), Orgelpunkte.
• Verhältnis zur Perkussion: Der Bass folgt dem tiefen Schlag der Perkussion (Dum, Dagga) und lässt den Raum der Höhen frei.

Harmonieinstrumente

• Gezupfte Saiten: Gitarre (Flamenco, klassisch, Akustik-Steel), Guitarra portuguesa, Viola de fado, Bouzouki (griechisch und irisch), Baglamas, Oud, Saz/Bağlama, Tar, Sitar, Sarod, Banjo, Mandoline, Koto, Shamisen, Sanshin, Pipa, Guzheng, Kora, Balalaika, Domra, Charango, Tumbi.
• Gestrichene Saiten: Violine/Fiddle, Erhu, Sarangi, Rebab, Kemençe, Gadulka, Nyckelharpa.
• Tasten und Bälge: Akkordeon, Organetto, Bajan, Concertina, Harmonium (Indien), Tsimbl/Cimbalom (geschlagene Saiten).
• Rollen: Akkordbegleitung (Gitarren, Bouzouki), Kontrapunkt und Heterophonie (Oud, Qanun, Geige), Bordun (Tanpura, Harmonium, Dudelsack), melodische Füllungen (Blasinstrumente).
• Voicing: offene und modale Stimmungen (DADGAD, Open G, Open D, Stimmungen von Saz und Bouzouki), Doppelgriffe mit leeren Saiten, Arpeggien.

Melodie und Gesang

• Die Stimme im Zentrum: Die meisten Traditionen sind vokal; jeder Stil hat eine spezifische Klangfarbe und Verzierung: Melisma und Mikrotöne (arabischer Gesang, Flamenco, Qawwali), Kobushi (Enka, japanisches Min'yō), irischer Sean-nós (Verzierungen, Rubato), „High Lonesome“-Gesang (Bluegrass), Fado (Bruststimme, dramatisches Rubato), Obertongesang (Tuwa), Kehlgesang und sardischer Canto a tenore (UNESCO-Erbe), bulgarischer Chor (offene Stimmen, dissonante Sekunden).
• Instrumentale Verzierung: Cut, Tap, Roll und Cran (irische Flöte und Dudelsack), Triller und Mordente, Glissandi und Portamenti (Erhu, Sarangi, Klezmer-Geige mit den „Krekhts“, Schluchzern), Meend und Gamak (Sitar, indische Stimme), breites Vibrato.
• Gesangsformen: strophisch mit Refrain, responsorisch (Solist–Chor), modale Improvisation (Taqsim, Alap, Doina), Gesang in Heterophonie.
• Chöre und Harmonien: Terzharmonien (Balkan, Griechenland, Mexiko, amerikanischer Folk), Unisono-Chöre (viele arabische und asiatische Musiken), enge Harmonien aus 2–3 Stimmen im Bluegrass und Country (Tenor über der Melodie, Bariton darunter).

Instrumente

Saiten: Flamenco- und klassische Gitarre, Akustikgitarre, Guitarra portuguesa, Viola de fado, Bouzouki, Baglamas, Oud, Qanun, Saz/Bağlama, Sitar, Sarod, Tanpura, Banjo, Mandoline, Dobro, Koto, Shamisen, Sanshin, Biwa, Pipa, Guzheng, Erhu, Sarangi, Violine/Fiddle, Kemençe, Gadulka, Cimbalom/Tsimbl, keltische Harfe, Balalaika, Tumbi. Blasinstrumente: Uilleann Pipes, Dudelsäcke, Gaida, Tin Whistle, irische Flöte, Kaval, Ney, Duduk, Zurna, Shakuhachi, Ryūteki, Hichiriki, Dizi, Suona, Bansuri, Shehnai, Klarinette (Klezmer, Balkan), Trompete und Flügelhorn (Balkan-Blaskapellen), Mundharmonika. Bälge: Akkordeon, Concertina, Harmonium, Bajan. Perkussion: Cajón, Palmas, Kastagnetten, Bodhrán, Darbuka, Riq, Daf, Tabla, Dholak, Dhol, Chimta, Tapan, Taiko, Kotsuzumi, Gong, Waschbrett. Stimme und Chöre.

Drum-Patterns

Synthesizer und Sounds

• Augmented Strings — Streicher-Pad für moderne Arrangements: „Cineastische“ Streicher unter traditionellen Instrumenten (Stil von Bollywood, C-Pop, Celtic Pop): langsamer Attack, wenig Vibrato, Filter, der den Mitten der Soloinstrumente Raum lässt.
• Augmented Voices — Chöre und Vokaltexturen: Chor-Pads für World-Fusion- und Filmproduktionen; halte sie hinter der traditionellen Solostimme.
• Mellotron V — Vintage-Flöten und -Streicher: Die Folk-Rock- und Prog-Farbe der 1960er–70er (britischer Folk, indisch inspirierte Psychedelia): Bandflöten und -streicher.
• Prophet-5 V — Pads und Bässe für elektronische Fusion: Warme Pads und synthetische Bässe für World-Fusion und elektronischen Afro-/Arab-/Asian-Pop; für das Maqam Pitch Bend oder Mikro-Stimmung mit Vorsicht einsetzen.
• DX7 V — Keyboards der 80er (Bollywood, C-Pop, UK-Bhangra): FM-E-Piano, Glocken und Bässe, die den asiatischen und indischen Pop der 1980er geprägt haben; viele Presets erinnern an Zupfinstrumente (synthetische Koto, Sitar).
• Piano V — Klavier für Balladen und Fusion: Klavier für C-Pop-Balladen und Jazz-World-Arrangements; mittleres Register, wenig Hall unter der Stimme.

Songaufbau

Typische Formen

• Strophisch mit oder ohne Refrain (Balladen, Fado, amerikanischer Folk, Rebetiko, Bollywood-Song mit Mukhra und Antara).
• Formen mit wiederholten Abschnitten bei Tänzen (AABB bei irischen Jigs und Reels: jeder Teil zu 8 Takten wiederholt, das Ganze 2–3 Mal wiederholt, dann ein weiteres Stück im „Set“).
• Improvisation + Komposition: Taqsim → gemessenes Stück (arabische Musik), Alap → Jor → Jhala → Gat (Raga), langsame Doina → schneller Tanz (Klezmer und rumänische Musik), Cante libre → Cante a compás (Flamenco).
• Wiederholter rhythmischer Zyklus als Form (Flamenco-Compás, organisiert in Letras, Falsetas und Remates; Tala mit abschließendem Tihai).
• Popform in modernen Versionen (Strophe–Pre-Chorus–Refrain–Bridge) mit traditionellen instrumentalen Einschüben.

Proportionen

Ein traditionelles Lied: 3–6 Strophen zu je 4–8 Versen; ein irisches Tanz-Set: 3 Stücke × 3 Durchgänge = 4–6 Minuten; ein Raga im Konzert: 20–60 Minuten; ein Bollywood-Stück: 4–6 Minuten mit Vorspiel und instrumentalen Zwischenspielen.

Mixing und Mastering

Klangziel

Zwei Ästhetiken: dokumentarisch/akustisch (den Klang der Aufführung und des Raums respektieren: Transparenz, Natürlichkeit, Dynamik) und moderne Produktion (traditionelle Instrumente in einem Pop-, Film- oder elektronischen Kontext: Definition, Impact, Lautheit). In beiden Fällen sind die Stimme und das Hauptinstrument das Zentrum; der Klangcharakter des traditionellen Instruments darf nicht auf den westlichen Klang „normalisiert“ werden.

Stimme

• EQ: Hochpass 70–100 Hz; −2 dB bei 250–400 Hz bei Mulm; Präsenz +1/+3 dB bei 2–5 kHz mit Vorsicht (Melismen und Mikrotöne müssen natürlich bleiben); Luft +1/+2 dB bei 10–12 kHz in modernen Produktionen.
• Kompression: akustisch 2:1, Attack 10–30 ms, Release 100–200 ms, 2–4 dB; modern 3–4:1 + Opto in Serie (insgesamt 6–8 dB).
• Raum: natürlicher Raum oder Hall (0,8–2 s); im Pop Delay im Tempo und Plate.
• Tonhöhenkorrektur: niemals bei modalen Gesängen mit Mikrotönen (Maqam, Flamenco, Raga): Sie zerstört die korrekte Intonation der Tradition.

Gezupfte Saiten (Gitarre, Oud, Bouzouki, Sitar, Koto …)

• Mikrofonierung: Kondensatormikrofon in 20–40 cm, gerichtet zwischen Schallloch und Hals oder zum Steg, + zweites Mikrofon am Korpus oder im Raum; Piezo-Tonabnehmer nur als Ergänzung.
• EQ: Hochpass 60–100 Hz (Oud und Gitarre 70–80 Hz; Bouzouki und Koto 100–120 Hz); −2/−3 dB bei 200–300 Hz (Dröhnen); Präsenz 3–5 kHz für den Plektrumanschlag (Risha, Mizrab).
• Leichte Kompression (2:1, Attack 20–30 ms), um Tremoli auszugleichen.
• Sitar und Tanpura: Lass den Reichtum der „Jawari“ (schnarrende Obertöne) bei 2–8 kHz stehen.

Gestrichene Saiten und Blasinstrumente

• Violine/Fiddle/Erhu: Mikrofon in 50 cm–1 m über dem Instrument, Hochpass 150–200 Hz, −2 dB bei 2,5–4 kHz, wenn schrill.
• Dudelsäcke, Uilleann Pipes, Zurna, Gaida: sehr laut und obertonreich: Mikrofon in 1–2 m, −2/−4 dB bei 2–4 kHz, wenn aggressiv; die Bordune bleiben präsent, aber unter dem Chanter.
• Flöten (Tin Whistle, Kaval, Ney, Shakuhachi, Dizi, Bansuri): Mikrofon in 30–60 cm, abgewinkelt, um direkten Luftstoß zu vermeiden; der Hauch gehört bei Shakuhachi und Ney zum Klang.

Traditionelle Perkussion

• Darbuka, Tabla, Cajón, Bodhrán, Dhol: ein Mikrofon auf dem tiefen Schlag (im oder nahe am Fell/Loch) und eines für die Höhen in 30–50 cm. EQ: Tiefen 60–120 Hz, „Box“ −2/−3 dB bei 300–500 Hz, Slap/Tak 2–5 kHz. Kompression 3–4:1, Attack 10–20 ms.
• Palmas, Händeklatschen: Paar in 1–2 m, natürlicher Raum; in akustischem Kontext niemals gesampelte Claps an ihrer Stelle.

Bass und Bordune

• Kontrabass: Mikrofon in 20–30 cm vom F-Loch + DI; Hochpass 35–40 Hz.
• Bordune (Tanpura, Harmonium, Shruti Box): breit im Stereobild und tief im Mix, aber stets hörbar: Sie definieren die Intonation.

Busse und Gruppen

Stimme, Melodieinstrumente, Begleitung, Perkussion, Bordune, elektronische Elemente (falls vorhanden). Bei Fusionen ein Bus für die Elektronik mit separater Glue-Kompression.

Sidechain

Nur in elektronischen Produktionen: Kick → Bass/Synth (2–4 dB) und selten Kick → tiefe traditionelle Perkussion, um Maskierung zu vermeiden.

Master

• Akustisch/traditionell: −18/−14 LUFS integriert, True Peak −1 dBTP, LRA 6–12 LU, minimale Kompression.
• Pop/Fusion: −11/−8 LUFS integriert, True Peak −1 dBTP.

Häufige Fehler

• Mikrotonale Intonation korrigieren oder das Rubato „quantisieren“.
• EQ, die den Charakter nimmt (Schnarren, Obertöne, Spielgeräusche des Instruments).
• Elektronische Perkussion, die die traditionelle überdeckt.
• „Kathedralen“-Hall auf Musiken, die in Tavernen, auf Plätzen und in Wohnhäusern entstanden sind.

Referenzstücke für den Mix

• Paco de Lucía — Entre dos aguas (1973).
• Mariza — Ó gente da minha terra (Fado em mim, 2001).
• The Chieftains — The Long Black Veil (Album, 1995).
• Nusrat Fateh Ali Khan — Mustt Mustt (Real World, 1990).
• Rosalía — Malamente (2018), für die urban-flamencoeske Produktion.

Referenz-Hörbeispiele

• Woody Guthrie — This Land Is Your Land (1944)
• Amália Rodrigues — Barco negro (1955)
• Umm Kulthum — Enta Omri (1964)
• Paco de Lucía — Entre dos aguas (1973)
• Planxty — The Well Below the Valley (1973)
• Teresa Teng — The Moon Represents My Heart (1977)
• Camarón de la Isla — La leyenda del tiempo (1979)
• Le Mystère des Voix Bulgares — Pilentze pee (1975/1986)
• Nusrat Fateh Ali Khan — Mustt Mustt (1990)
• A. R. Rahman — Chaiyya Chaiyya (Dil Se.., 1998)
• Panjabi MC — Mundian To Bach Ke (1998, hit internazionale 2002–2003)
• Jay Chou — 青花瓷 Qinghuaci / Blue and White Porcelain (2007)
• Rosalía — Malamente (2018)