Amerikanischer Folk

Geschichte und Charakter

Der amerikanische Folk versammelt die mündlich überlieferte Musik der Vereinigten Staaten, vor allem des Südens und der Appalachen, sowie ihre gelehrten und kommerziellen Weiterentwicklungen. Die Wurzeln sind die anglo-schottischen und irischen Balladen (die „Child Ballads“, gesammelt von Francis James Child und 1916–1918 von Cecil Sharp in den Appalachen wiederentdeckt), die Tanzmusik für Fiddle, das Banjo afrikanischen Ursprungs (Instrument der afroamerikanischen Sklaven, später von weißen Musikern übernommen), die Spirituals, die Arbeitslieder und der Blues, die geistlichen Shape-Note-Gesänge (The Sacred Harp, 1844), die Lieder der Bergleute, Eisenbahner und Cowboys.

Die kommerziellen Aufnahmen der 1920er-Jahre schaffen den „Hillbilly“-Markt: Die Bristol Sessions von 1927 (Tennessee, für Victor, Produzent Ralph Peer) lancieren die Carter Family (A. P., Sara und Maybelle Carter, mit dem Gitarrenstil „Carter Scratch“: Melodie auf den Basssaiten und Anschläge auf den hohen Saiten) und Jimmie Rodgers. In den 1930er–40er-Jahren machen Woody Guthrie (Dust-Bowl-Lieder, This Land Is Your Land) und Lead Belly den Folk zu einer sozialen Stimme; Alan Lomax macht Feldaufnahmen für die Library of Congress. 1945–46 definieren Bill Monroe and His Blue Grass Boys mit Lester Flatt (Gitarre) und Earl Scruggs (Dreifinger-Banjo, Scruggs Roll) den Bluegrass („High Lonesome Sound“); danach Flatt & Scruggs, die Stanley Brothers, Doc Watson.

Das Folk-Revival der 1950er–60er-Jahre geht von der Anthology of American Folk Music aus, herausgegeben von Harry Smith (Folkways, 1952), von den Weavers und von Pete Seeger, führt über das Kingston Trio, das Newport Folk Festival (seit 1959), Joan Baez, Peter, Paul and Mary, Odetta und gipfelt in Bob Dylan (The Freewheelin' Bob Dylan, 1963; die elektrische Wende in Newport 1965), aus dem Folkrock (The Byrds), Singer-Songwriter-Musik (Joni Mitchell, Simon & Garfunkel, James Taylor) und Country Rock hervorgehen. Seit den 1990er-Jahren greifen Americana (definiert von der Americana Music Association) und Indie Folk die Wurzeln wieder auf: Gillian Welch und David Rawlings, Alison Krauss & Union Station, der Soundtrack von O Brother, Where Art Thou? (2000, produziert von T Bone Burnett), Old Crow Medicine Show, Fleet Foxes, Bon Iver, Mumford & Sons, The Lumineers, Punch Brothers (Chris Thile), Rhiannon Giddens und die Carolina Chocolate Drops, Billy Strings, Sierra Ferrell.

Tonleitern und Tonarten

Der amerikanische Folk ist überwiegend Dur und pentatonisch, mit „alten“ Modi in den Balladen und im Old-Time und der „Blue Note“ aus dem Blues. Römische Ziffern in Moll bezogen auf natürliches Moll.

Dur (Ionisch)

• Formel 1 2 3 4 5 6 7 — G-Dur: G A H C D E Fis. Akkorde: I (G) ii (Am) iii (Bm) IV (C) V (D) vi (Em).
• Charakteristischer Ton: der Leitton (Fis) in den Kadenzen V–I; viele Melodien vermeiden ihn jedoch.
• Einsatz: die meisten Bluegrass-, Country- und Folk-Revival-Lieder in „Gitarren“-Tonarten (G, C, D, A, E) oder „Fiddle“-Tonarten (G, D, A).

Dur-Pentatonik

• Formel 1 2 3 5 6 — G: G A H D E.
• Charakteristischer Ton: kein Halbton, offener, „bergiger“ Klang; Grundlage vieler Balladen- und Hymnenmelodien (Amazing Grace ist Dur-Pentatonik).
• Einsatz: Gesangsmelodien, Banjo-Riffs, Gitarren-Fills (der „G Run“ von Lester Flatt verwendet Töne der Pentatonik mit chromatischem Durchgang).

Mixolydisch

• Formel 1 2 3 4 5 6 b7 — D-Mixolydisch: D E Fis G A H C; A-Mixolydisch: A H Cis D E Fis G.
• Charakteristischer Ton: b7 (C in D): der „modale“ Klang des Old-Time (viele Fiddle-Tunes wie Old Joe Clark in A-Mixolydisch).
• Akkorde: I (D) ii (Em) iii° IV (G) v (Am) vi (Bm) bVII (C).
• Häufiger Fehler: V7 unter einer Melodie mit b7 verwenden: besser bVII oder v.

Dorisch und Äolisch („alte“ Balladen)

• Dorisch 1 2 b3 4 5 6 b7 — E-Dorisch: E Fis G A H Cis D; Akkorde (bezogen auf natürliches Moll) i ii III IV v #vi° VII.
• Äolisch 1 2 b3 4 5 b6 b7 — e-Moll: E Fis G A H C D; Akkorde i ii° III iv v VI VII.
• Einsatz: Mord- und Todesballaden (Murder Ballads), Appalachen-Gesänge (z. B. Shady Grove in Dorisch, Pretty Polly in Moll/modal), Lieder des Revivals im „alten“ Stil.

Moll-Pentatonik und Blue Notes

• Moll-Pentatonik 1 b3 4 5 b7 — E: E G A H D; Blues 1 b3 4 b5 5 b7.
• Charakteristischer Ton: die „blaue“ b3 über einem Durakkord (G über E-Dur-Akkord) und die b7: der afroamerikanische Beitrag (Country Blues, Doc Watson, Mississippi John Hurt).

Wie man wählt

Dur und Dur-Pentatonik für Bluegrass, Country und Folk-Revival; Mixolydisch für Old-Time-Fiddle-Tunes; Dorisch/Äolisch für tragische Balladen; Moll-Pentatonik und Blue Notes für Country Blues und afroamerikanischen Folk.

Harmonik

Drei Akkorde und die Wahrheit

• I–IV–V in Dur (G–C–D) ist die Basis von fast allem: Strophenlieder, Fiddle-Tunes, Bluegrass. Das V7 bereitet die Rückkehr vor; das II7 (A7 in G, Dominante der Dominante) ist der typische Übergang des Bluegrass und Country („I–II7–V7–I“).
• vi und iii nur als Farben; im Revival und im Singer-Songwriter-Stil kommen vi, IV mit Walking Bass, offene sus2/sus4-Akkorde hinzu.
• Modal: I–bVII (Old-Time mixolydisch), i–VII–VI (Balladen in Moll), oft über Bordun (leere Saiten von Banjo und Fiddle).
• Harmonischer Rhythmus: ein Akkord pro ein oder zwei Takte; in Fiddle-Tunes Wechsel auf jeden halben Takt in den schnelleren Teilen.

Stimmungen und Voicings

• Gitarre: erste Lage mit leeren Saiten (G, C, D, Em, Am mit Wechselbässen), Kapodaster zum Wechseln der Tonart; offene Stimmungen (Open G DGDGBD, Open D DADF#AD, DADGAD) im Folk und im Indie Folk.
• 5-saitiges Banjo: Stimmung Open G (gDGBD, die kurze fünfte Saite als hoher Bordun auf G), „Double C“ (gCGCD), Sawmill/Mountain Modal (gDGCD) für modale Stücke.
• Fiddle: Standardstimmung GDAE oder Cross-Tuning (AEAE, GDGD, ADAE) für Stücke in A und D mit Bordunen.
• Mandoline: Chop (gedämpfter, geschlossener Akkord) auf 2 und 4 als „Snare“.

Bluegrass Gospel und Vokalharmonien

Vokalharmonien zu 3–4 Stimmen (Lead, Tenor darüber, Bariton darunter, Bass) über I–IV–V: Der harmonische Reichtum liegt in den Stimmen, nicht in den Akkorden.

Typische Akkordfolgen

Rhythmus und Groove

• Boom-Chick: Bass auf der Hauptzählzeit (1 und 3), Anschlag im Offbeat (2 und 4): der Gitarrenpuls von Country, Bluegrass und Folk.
• Bluegrass: schnelles Tempo mit Vorwärtsdrang (Drive), Kontrabass auf 1 und 3, Mandolinen-Chop auf 2 und 4 (die „Snare“ des Bluegrass), Banjo mit durchgehenden Rolls in Achteln/Sechzehnteln, Gitarre mit Boom-Chick und G Run.
• Old-Time: kreisender, hypnotischer Groove von Fiddle und Clawhammer-Banjo in 2/4 oder 4/4, Akzente im Offbeat („Bum-Ditty“); Tanztempo (Square Dance, Clogging).
• Walzer (3/4): viele Old-Time-, Bluegrass- und Country-Stücke (Tennessee Waltz).
• Train Beat: Nachahmung des Zuges mit Besen und Gitarre (Folk und Country).
• Swing: leicht im Old-Time und Bluegrass (fast gerade Achtel mit Drive), ausgeprägter im Country Blues und im Western Swing.
• Balladen: freies oder rubato-Tempo, oft nur Gesang oder Gesang und Gitarre.

Schlagzeug

Die Rhythmusgruppe ohne Schlagzeug

Im traditionellen Bluegrass und im Old-Time gibt es kein Schlagzeug: Der Rhythmus ist auf die Saiteninstrumente verteilt.

• Kontrabass = Kick: Grundton und Quinte auf 1 und 3.
• Mandolinen-Chop = Snare: gedämpfter geschlossener Akkord auf 2 und 4.
• Gitarre = Hi-Hat und Bass: Boom-Chick mit Offbeat-Anschlägen und Basslaufen.
• Banjo = rhythmisch-melodischer Shaker: durchgehende Rolls (Forward, Backward, Alternating) in Achteln.
• Fiddle: „Shuffle“ mit dem Bogen (Nashville Shuffle, Double Shuffle), der zum Rhythmus wird.

Traditionelle Percussion

Knochen, Löffel, Waschbrett, Jug (Jug Band), Füße (Clogging, Flatfooting), Handclaps in geistlichen Gesängen.

Im Folkrock und in der Americana

• Leichtes Schlagzeug: Besen auf der Snare (Train Beat, Two-Beat), weiche Kick auf 1 und 3, Snare auf 2 und 4; Tamburin und Shaker in den Refrains.
• Indie Folk (Mumford & Sons, The Lumineers): große Trommel mit dem Fuß oder Schlägel in Vierteln gespielt („Stomp“), Handclaps auf 2 und 4, Tamburin: ein chorischer Groove „wie am Lagerfeuer“; Crescendo durch Verdopplung der Viertel.
• Suitcase Kick und Stomp Box bei Straßenmusikern.

Wie es sich je Abschnitt ändert

Strophe: nur Gitarre und Gesang oder leichte Besen; Refrain: alle, voller Mandolinen-Chop, Handclaps; instrumentaler Break: der Solist (Banjo, Fiddle, Mandoline, Dobro), während die anderen zurücknehmen.

Typische Fehler

Rock-Schlagzeug unter traditionellem Bluegrass; Mandolinen-Chop nicht synchron zum Bass; Stomp mit zu viel Sub; Quantisierung, die den Drive nimmt.

Bass

• Kontrabass (Upright Bass, Slap Bass im Rockabilly und teils im Bluegrass): Grundton und Quinte auf 1 und 3 (oder 1 und 2 in 2/4), diatonische und chromatische Läufe zum Akkordwechsel (Walk-up und Walk-down), „G Run“ mit der Gitarre an den Schlüssen.
• E-Bass im Folkrock und in der Americana: einfache Linien, weicher Klang (Finger, Flatwound-Saiten).
• Daumen der Gitarre: Wechselbass Tonika–Quinte (Carter Scratch, Travis Picking mit konstantem Wechselbass).
• Register: 40–200 Hz; im akustischen Mix braucht der Kontrabass Attack (die Finger auf den Saiten) mehr als Sub.
• Verhältnis zur Rhythmusgruppe: Der Bass ist die „Kick“; Mandoline und Gitarre ergänzen ihn auf den Offbeats.

Harmonieinstrumente

• Akustikgitarre (Dreadnought mit Stahlsaiten: Martin D-28, Gibson J-45; Techniken: Flatpicking mit Plektrum für schnelle Melodien, Fingerpicking/Travis Picking, Carter Scratch, Strumming).
• 5-saitiges Banjo (Open G gDGBD): Scruggs Style mit drei Fingern und Fingerpicks, durchgehende Rolls; Clawhammer/Frailing (Abschlag mit dem Fingernagel und Daumen auf der fünften Saite) im Old-Time.
• Mandoline (gestimmt wie die Violine GDAE): rhythmischer Chop und Tremolo-Soli (Bill Monroe).
• Dobro / Resonatorgitarre (mit Slide gespielt, in hoher Open-G-Stimmung GBDGBD): klagende Fills und Soli (Jerry Douglas).
• Autoharp, Appalachian Dulcimer (Mountain Dulcimer, mit Bordun), Mundharmonika, Klavier und Orgel (Gospel, Folkrock), Pedal Steel (Country).
• Voicing: offene Akkorde in erster Lage, Wechselbässe, leere Saiten; Kapodaster für gesangsgerechte Tonarten.

Melodie und Gesang

• Gesang: direkt, „sprechend“, oft nasal und mit wenig Vibrato; der High Lonesome Sound des Bluegrass (hohe, gespannte Tenorstimme mit engen Harmonien); das Folk-Revival mit sauberen, liedermacherischen Stimmen; der Country Blues mit Blue-Färbungen.
• Vokalharmonien (Bluegrass und Gospel): Lead (Melodie), Tenor (eine Terz oder Quinte darüber), Bariton (unter der Melodie, oft eine Quinte unter dem Tenor), Bass (Gospelquartette); enge Parallelharmonien.
• Soloinstrumente: Fiddle (Bogenverzierungen, Doppelgriffe, Slides), Banjo, Mandoline, Dobro, Flatpicking-Gitarre (Doc Watson, Tony Rice, Clarence White), Mundharmonika.
• Vokale Form: erzählende Strophen (Balladen von 6–20 Strophen), chorische Refrains (Protestlieder zum gemeinsamen Singen: We Shall Overcome).
• Indie Folk: weite, chorische Chöre, Falsettstimmen mit Hall (Bon Iver), Gruppenunisono.
• Effekte: traditionell keine (trockene Stimme); in der modernen Americana Plate und leichtes Slapback; im Indie Folk große Hallräume und mehrspurige Stimmen.

Instrumente

Akustikgitarre, 5-saitiges Banjo (und Tenorbanjo), Fiddle, Mandoline, Kontrabass, Dobro/Resonator, Autoharp, Mountain Dulcimer, Hammered Dulcimer, Mundharmonika, Klavier, Orgel, Pedal Steel, E-Gitarre (Folkrock), leichtes Schlagzeug und Besen, „Stomp“-Bassdrum, Tamburin, Waschbrett, Knochen, Löffel, Jug; Gesang und Chöre.

Drum-Patterns

Synthesizer und Sounds

• B-3 V — Orgel für Folkrock und Gospel: Hammond mit langsamem Leslie für Folkrock (elektrischer Dylan, The Band) und Gospel: Drawbars 88 8000 000, Percussion aus, leichter Overdrive.
• Wurli V — E-Piano für Americana: Warmes Wurlitzer für Americana-Balladen und Singer-Songwriter-Musik der 70er; leichtes Tremolo.
• Piano V — Klavier (Upright): Ein leicht „verstimmtes“ und nahes Upright-Klavier für Folk und Americana (Saloon- und Gospel-Stil).
• Mellotron V — Flöten und Streicher im Folkrock: Flöten und Bandstreicher (Mellotron-Art) des Folkrock der 60er–70er (orchestrierte Balladen).
• Augmented Strings — Streicher für Indie Folk: Weiche, langsame Streicher-Pads unter chorischen Stimmen (Stil Fleet Foxes / Bon Iver), mit Tiefpassfilter.

Songaufbau

Ballade und Folksong

Strophen (4–8 Verse) mit oder ohne Refrain; Intro und Interludes von Gitarre oder Mundharmonika; 3–6 Minuten; traditionelle Balladen auch 10 Minuten.

Fiddle-Tune (Old-Time und instrumentaler Bluegrass)

Form AABB (jeder Teil zu 8 Takten, wiederholt), mehrfach gespielt; im Bluegrass ist jede Wiederholung ein Break eines anderen Instruments (Fiddle – Banjo – Mandoline – Gitarre – Dobro), während die Gruppe begleitet.

Bluegrass-Song

Americana und Indie Folk

Pop-Struktur (Strophe–Refrain–Bridge) mit chorischer Steigerung: intimer Beginn (Gesang und Gitarre), allmählicher Einsatz von Banjo, Kontrabass, Stomp und Chören, chorischer Höhepunkt, Coda.

Mixing und Mastering

Klangziel

Akustische Natürlichkeit: Gesang im Vordergrund und verständlich, Saiteninstrumente getrennt und definiert (jedes in seinem Frequenzband und seiner Position), klare Rhythmik (Bass + Chop + Gitarre), kleiner Raum (Stube, Scheune, Kirche). Zwei Aufnahmetraditionen: ein einziges Mikrofon (die Bluegrass-Gruppe, die sich einem Kondensatormikrofon nähert und davon entfernt: Die Balance stellen die Musiker her) und modernes Mehrspur (Alison Krauss & Union Station, Punch Brothers: Hi-Fi-Klang). Referenzen: Flatt & Scruggs (50er–60er), Alison Krauss & Union Station (Live, 2002), O Brother, Where Art Thou? (2000), Gillian Welch (Time (The Revelator), 2001), Fleet Foxes (2008).

Gesang

• Großmembran-Kondensator in 15–30 cm; EQ: Hochpass 80–100 Hz, −2 dB bei 200–300 Hz, Präsenz +1/+2 dB bei 3–5 kHz, Air +1 dB bei 10 kHz.
• Kompression: Opto 3:1 mit 3–5 dB (Folk), FET + Opto in der Americana (5–7 dB).
• Raum: Room 0,6–1 s oder kurzes Plate 1,2 s; Slapback (80–120 ms) im Country-Folk; lange Hallräume und mehrspurige Chöre im Indie Folk.
• Harmonien: Tenor und Bariton leicht seitlich (L/R 15–30), ähnliche Kompression wie der Lead.

Akustikgitarre

• Paar (Kondensator am 12.–14. Bund in 20–30 cm + zweites nahe am Steg oder im Raum) oder XY/ORTF in 40 cm.
• EQ: Hochpass 80–100 Hz (60 Hz, wenn sie solo ist), −2/−3 dB bei 150–250 Hz (Dröhnen), +1/+2 dB bei 4–6 kHz für den Anschlag, −1 dB bei 1 kHz bei „Kastenklang“.
• Kompression 3:1 (3–4 dB), um das Strumming zu vereinheitlichen.
• Panning: bei Gesang in der Mitte Gitarre L/R 20–40 oder enges Stereo.

Banjo

• Mikrofon in 30–40 cm, zwischen Fell und Hals gerichtet (nicht auf die Fellmitte: zu „klackernd“).
• EQ: Hochpass 120–150 Hz, −2/−3 dB bei 2–3 kHz, wenn stechend, +1 dB bei 6–8 kHz; schnelle Kompression 2–3:1.
• Panning: L oder R 30–50.

Mandoline

• Mikrofon in 20–30 cm nahe den F-Löchern/dem Schallloch; Hochpass 150 Hz; −2 dB bei 1–1,5 kHz, wenn nasal; +2 dB bei 3–5 kHz für den Chop.
• Panning: gegenüber dem Banjo (R oder L 30–50).

Fiddle

• Mikrofon in 50 cm über dem Instrument; Hochpass 150–200 Hz; −2 dB bei 2,5–3,5 kHz, wenn schrill; +1 dB bei 8 kHz.
• Panning: L/R 20–40.

Dobro

Mikrofon in 20–30 cm auf dem Konus; Hochpass 100 Hz; −2 dB bei 500 Hz; leichtes Plate; Panning L/R 20–40.

Kontrabass

• Mikrofon in 20–30 cm vom F-Loch oder vom Hals + Tonabnehmer/DI; Hochpass 35–40 Hz; −2/−3 dB bei 200–250 Hz; +2 dB bei 700 Hz–1 kHz für das „Anreißen“ der Finger; Kompression 4:1 (4–6 dB).
• Panning: Mitte.

Schlagzeug und Stomp (Americana, Indie Folk)

• Kick/Stomp: Mikrofon nah, +2 dB bei 60–80 Hz, −4 dB bei 300–400 Hz; kein übertriebener Sub; Handclaps mit Room.
• Besen: Overhead mono oder Paar in 1 m; Hochpass 150 Hz.

Busse und Gruppen

Stimmen, Gitarren, „String Band“ (Banjo, Mandoline, Fiddle, Dobro), Bass, Schlagzeug/Percussion; ein gemeinsamer Raumhall und ein Plate für die Stimmen.

Sidechain

Selten; im Indie Folk mit kraftvollem Stomp leichtes Ducking der Pads auf die Kick.

Master

• Akustischer Folk und Bluegrass: −14/−11 LUFS integriert, True Peak −1 dBTP, LRA 6–10 LU.
• Americana und Indie Folk: −11/−9 LUFS.

Häufige Fehler

• Alle Saiteninstrumente im selben Bereich von 1–4 kHz und am selben Stereopunkt: Weise jedem einen Platz zu.
• Kontrabass ohne Attack (nur „Boom“).
• Banjo zu laut und schrill.
• Übermäßige Kompression, die Breaks und Gruppendynamik einebnet.

Referenzstücke für den Mix

• Flatt & Scruggs — Foggy Mountain Breakdown (1949).
• Alison Krauss & Union Station — Man of Constant Sorrow (Live, 2002) / O Brother, Where Art Thou? (2000).
• Gillian Welch — Time (The Revelator) (2001).
• Fleet Foxes — White Winter Hymnal (2008).
• The Lumineers — Ho Hey (2012).

Referenz-Hörbeispiele

• The Carter Family — Wildwood Flower (1928)
• Woody Guthrie — This Land Is Your Land (registrata 1944)
• Lead Belly — Goodnight, Irene (1933)
• Bill Monroe and His Blue Grass Boys — Blue Moon of Kentucky (1946)
• Flatt & Scruggs — Foggy Mountain Breakdown (1949)
• Pete Seeger — We Shall Overcome (1963)
• Bob Dylan — Blowin' in the Wind (1963)
• Joan Baez — Diamonds & Rust (1975)
• Doc Watson — Black Mountain Rag (1964)
• Gillian Welch — Revelator (2001)
• The Soggy Bottom Boys — I Am a Man of Constant Sorrow (O Brother, Where Art Thou?, 2000)
• Fleet Foxes — White Winter Hymnal (2008)
• Mumford & Sons — Little Lion Man (2009)
• Billy Strings — Dust in a Baggie (2017)