Folk y world

Historia y carácter

«Folk y world» reúne las músicas tradicionales y populares del mundo y sus desarrollos modernos: cantos y danzas transmitidos oralmente (folk en sentido estricto), músicas de arte no occidentales con sus propios sistemas teóricos (el maqam árabe, turco y persa; el raga indio; el gagaku japonés), músicas urbanas nacidas del encuentro entre tradiciones (fado, rebetiko, flamenco, klezmer americano, tango, músicas de los Balcanes) y sus versiones pop y cinematográficas (Bollywood, C-pop, bhangra británico, Celtic pop, folk revival americano). El término comercial «world music» fue adoptado por la industria discográfica británica en una reunión de 1987 para dar a estas músicas un estante común en las tiendas; la etiqueta ha sido criticada porque agrupa culturas muy distintas y las separa del pop «occidental», pero sigue en uso, igual que «músicas del mundo» o «músicas tradicionales».

El estudio de estas músicas es el campo de la etnomusicología (Béla Bartók y Zoltán Kodály con sus grabaciones de campo; Alan Lomax en Estados Unidos; en Italia Diego Carpitella y Roberto Leydi; instituciones como Smithsonian Folkways, el Archivio di Etnomusicologia de la Accademia di Santa Cecilia, la Lista del Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO, en la que están inscritos, entre otros, el flamenco en 2010, el fado en 2011 y el rebetiko en 2017). Muchos géneros del grupo han tenido una segunda vida gracias a los revivals (folk revival americano y británico de los años 50–60, renacimiento del klezmer y de la música irlandesa en los años 70, «nuevo flamenco» de los años 70–80) y a las fusiones con rock, jazz, electrónica y hip hop (Real World Records de Peter Gabriel, 1989; Paco de Lucía con el jazz; Bollywood con la electrónica; bhangra con el hip hop; Rosalía con el flamenco urbano).

Para un productor este mundo ofrece tres recursos: sistemas de escalas distintos del mayor/menor (modos, maqamat con cuartos de tono, ragas, escalas pentatónicas y hexatónicas japonesas, freygish hebreo), concepciones rítmicas cíclicas y asimétricas (compás de 12, aksak 7/8 y 9/8, tala, iqa') y timbres (oud, bouzouki, guitarra portuguesa, sitar, dhol, tumbi, uilleann pipes, koto, shakuhachi, erhu, guzheng, kaval, darbuka). Pero se requiere respeto: cada tradición tiene reglas, contextos y significados (sagrados, sociales, rituales) que conviene conocer antes de samplear o «colorear» una producción.

Escalas y tonalidades

Cada tradición tiene su propio sistema; aquí van las familias principales, con ejemplos sobre una tónica concreta (números romanos en menor referidos al menor natural, donde tiene sentido hablar de acordes). Los acordes diatónicos son los que surgen cuando estas escalas se armonizan a la manera occidental (en la práctica tradicional a menudo solo hay un bordón).

Pentatónica anhemitónica (sin semitonos)

• Mayor 1 2 3 5 6 — Do: C D E G A. Menor 1 b3 4 5 b7 — La: A C D E G.
• Color: abierto, cantabile, «universal»: China (gong, shang, jue, zhi, yu), Japón (yo), Escocia e Irlanda, África occidental, blues, cantos de los nativos americanos, los Andes.
• Acordes típicos al armonizarla: I, IV, V, vi (o i, III, iv, v, VII).

Modos diatónicos (folk europeo y americano)

• Jónico (1 2 3 4 5 6 7), mixolidio (1 2 3 4 5 6 b7), dórico (1 2 b3 4 5 6 b7), eolio (1 2 b3 4 5 b6 b7). Re mixolidio: D E F# G A B C; re dórico: D E F G A B C.
• Notas características: b7 mixolidia (celta, americano), 6 dórica (celta, balcánico, baladas).
• Acordes: mixolidio I ii iii° IV v vi bVII; dórico (referidos al menor natural) i ii III IV v #vi° VII.

Frigio y frigio dominante (Andalucía, Oriente Medio, Balcanes, klezmer)

• Frigio 1 b2 b3 4 5 b6 b7 — Mi: E F G A B C D. Frigio dominante (hijaz occidentalizado, freygish) 1 b2 3 4 5 b6 b7 — Mi: E F G# A B C D.
• Nota característica: b2 que desciende a la tónica; en el dominante, además, la 3 mayor (segunda aumentada F–G#).
• Acordes (referidos al menor natural con la tercera elevada): I (E) bII (F) III (G) iv (Am) — la cadencia andaluza Am–G–F–E (iv–III–bII–I en mi frigio; i–VII–VI–V en la menor).

Doble armónica (bizantina, «árabe» en sentido occidental)

• 1 b2 3 4 5 b6 7 — Do: C Db E F G Ab B. Dos segundas aumentadas (Db–E, Ab–B). Color intensamente «oriental» (maqam hijazkar, escalas gitanas, rebetiko).

Maqamat (mundo árabe, turco, persa)

• Basados en ajnas (tetracordios/pentacordios) y en intervalos neutros (aproximadamente tres cuartos de tono). Ejemplos: Rast sobre Do: C D E𝄳 F G A B𝄳 C (E y B «medio bemol»); Bayati sobre Re: D E𝄳 F G A Bb C D; Hijaz sobre Re: D Eb F# G A Bb C D; Saba sobre Re: D E𝄳 F Gb A Bb C. Tradicionalmente no se armonizan: se tocan sobre un bordón o en heterofonía.

Raga (India)

• Un raga no es solo una escala: tiene ascenso y descenso específicos (arohana/avarohana), notas importantes (vadi/samvadi), frases características (pakad), hora del día y estado de ánimo (rasa). Los 10 thaat de Bhatkhande clasifican las escalas: Bilaval (= mayor), Kalyan (= lidio), Khamaj (= mixolidio), Kafi (= dórico), Asavari (= eolio), Bhairavi (= frigio), Bhairav (1 b2 3 4 5 b6 7, = doble armónica), Marva, Purvi, Todi.

Escalas japonesas

• Yo: 1 2 4 5 6 — Re: D E G A B (anhemitónica). In / miyako-bushi: 1 b2 4 5 b6 — Re: D Eb G A Bb (hemitónica). Ryūkyū (Okinawa): 1 3 4 5 7 — Do: C E F G B.

Modos hebreos (klezmer)

• Freygish (Ahava Rabboh) = frigio dominante; Mi sheberakh (dórico con #4): 1 2 b3 #4 5 6 b7 — Re: D E F G# A B C; Adonoy molokh (mixolidio); Mogen ovos (eolio).

Cómo elegir

Primero elige la tradición, luego su sistema: no existe un «modo world» genérico. Si armonizas (pop, cine), mantente cerca del bordón y de las cadencias propias de la tradición (andaluza para el flamenco, bVII–I para lo celta, i–bII para el hijaz) y no fuerces la sensible occidental donde no existe.

Armonía

Principios generales

• Bordón (drone): la tónica (y a menudo la quinta) sostenida bajo la melodía: tanpura india, gaitas, zanfona, sanshin y shō en algunas formas, bordones de ud y saz, armonio en el qawwali. Muchas tradiciones no tienen armonía funcional: tienen melodía + bordón + percusiones.
• Heterofonía: varios instrumentos tocan la misma melodía con variantes simultáneas (takht árabe, gagaku, ensambles chinos, sesiones irlandesas, klezmer).
• Armonía modal cuando la tradición se encuentra con la guitarra o el piano: cadencia andaluza (flamenco), I–bVII–IV (celta, folk americano), i–iv–v (fado menor), I–IV–V e I–V7 (fado, rebetiko, folk), acordes «sin tercera» (power chords) bajo melodías modales.
• Armonización pop en las versiones modernas (Bollywood, C-pop, celtic pop): progresiones occidentales (I–V–vi–IV, IV–V–iii–vi) bajo melodías pentatónicas o modales, a menudo con pads y cuerdas.
• Préstamos y alteraciones propios de la tradición: la b2 del flamenco sobre el acorde de tónica mayor, la #4 del klezmer, los cuartos de tono árabes (imposibles en guitarra y piano temperados: se usan oud, qanun, voz, violín o pitch bend).

Ritmo armónico

A menudo lentísimo (bordón durante toda una pieza) o ligado al ciclo rítmico: en el flamenco los acordes cambian en tiempos precisos del compás; en el fado y el rebetiko siguen la estrofa; en el folk angloamericano siguen la frase (un acorde por compás).

Voicing

Acordes abiertos con cuerdas al aire (guitarra en DADGAD o en afinaciones abiertas en lo celta y lo americano; guitarra flamenca con las cuerdas al aire de Mi y Si sobre los acordes; bouzouki griego e irlandés con dobles cuerdas), quintas vacías, registro medio; en las producciones modernas, pads amplios bajo instrumentos tradicionales en primer plano.

Progresiones típicas

Ritmo y groove

• Ciclos en lugar de compases: tala indios (teentaal 16 tiempos, keherwa 8, dadra 6, rupak 7, jhaptaal 10), iqa'at árabes (maqsum 4/4, baladi, sa'idi, wahda, sama'i thaqil 10/8, dawr hindi 7/8), compás flamenco de 12 tiempos (soleá, alegrías, bulerías, seguiriya), aksak balcánicos y turcos (7/8, 9/8, 11/8).
• Métricas irregulares y aditivas: 2+2+3, 3+2+2, 2+2+2+3, 3+3+2 (bulgar klezmer, tresillo).
• Ritmo libre (no medido): doina, taqsim, alap, cante libre, sean-nós, cantos de trabajo.
• Swing y feel: las jigs y los hornpipes irlandeses tienen una desigualdad de las corcheas; el chaal punjabí es «saltarín»; el groove del bluegrass empuja en el contratiempo (chop de mandolina en 2 y 4).
• Danza como origen: la mayoría de los ritmos están ligados a pasos precisos (sevillanas, kalamatianos, hora, bhangra, jig, reel, dabke).

Batería

Cómo «razona» la percusión en las músicas tradicionales

• Ciclo y retorno: el percusionista marca el primer tiempo del ciclo (sam en el tala, dum en el iqa', el 12 en la bulería) y las articulaciones internas; toda la variación sirve para hacer sentir el retorno.
• Sonidos graves y agudos (dum/tak de la darbuka, dagga/tilli del dhol, bayan/dayan de la tabla, golpe grave/slap del cajón, maza/baqueta del tapan): una «gramática» de dos o tres sonidos con la que se construyen todos los patrones.
• Manos y cuerpo: palmas y zapateado (flamenco), palmadas (rebetiko, música árabe), pies (tap irlandés, clogging americano).
• Instrumentos principales: darbuka, riq, daf, bendir (Oriente Medio y Norte de África); tabla, dholak, dhol, mridangam, kanjira (India); cajón, palmas, castañuelas (flamenco); bodhrán, huesos, cucharas (celta); tapan y darbuka (Balcanes); taiko, kotsuzumi, ōtsuzumi (Japón); gong, platillos, tambores chinos; washboard y jug (folk americano).

Interacción con la melodía y la voz

Las percusiones siguen al cantante: se detienen o se reducen en los pasajes libres y reentran con el ciclo; en las danzas guían a los bailarines con señales (llamadas, tihai, cierres).

En las producciones modernas

Las percusiones tradicionales se superponen a bombos y bajos electrónicos (bhangra con 808, dabke electrónico, flamenco urbano con reguetón, Afro-fusion): conviene afinar y filtrar los sonidos graves tradicionales para no chocar con el bombo, y dejar a los sonidos agudos (tak, slap, tilli) la definición del patrón.

Errores típicos

Cuantizar rígidamente ritmos que viven del microtiming; poner un bombo en 4/4 bajo un ciclo de 12 o de 7; ignorar los acentos propios del ciclo; usar la percusión «equivocada» para la tradición (taiko en lo celta, darbuka en el bluegrass).

Bajo

• En muchas tradiciones el bajo no existe como línea: está el bordón (tanpura, gaitas, zanfona, sanshin con quinta, armonio) o el registro grave de la percusión (dum, dagga, cajón).
• Donde lo hay: contrabajo en el bluegrass y el folk americano (tónica–quinta), en el klezmer americano, en el tango; guitarra que hace el bajo (fado: la viola; flamenco: pulgar sobre las cuerdas graves; rebetiko: la guitarra con bajos alternados); tuba y bombardino en las bandas balcánicas (oom-pah); bajo eléctrico y synth bass en las versiones pop.
• Notas: tónica y quinta, bajos alternados, descensos de la cadencia andaluza (La–Sol–Fa–Mi), pedales.
• Relación con la percusión: el bajo sigue el golpe grave de la percusión (dum, dagga) y deja libre el espacio de los agudos.

Instrumentos armónicos

• Cuerdas pulsadas: guitarra (flamenca, clásica, acústica de cuerdas de acero), guitarra portuguesa, viola de fado, bouzouki (griego e irlandés), baglamas, oud, saz/bağlama, tar, sitar, sarod, banjo, mandolina, koto, shamisen, sanshin, pipa, guzheng, kora, balalaika, domra, charango, tumbi.
• Cuerdas frotadas: violín/fiddle, erhu, sarangi, rebab, kemençe, gadulka, nyckelharpa.
• Teclados y fuelles: acordeón, organetto, bayan, concertina, armonio (India), tsimbl/cimbalom (cuerdas percutidas).
• Roles: acompañamiento de acordes (guitarras, bouzouki), contrapunto y heterofonía (oud, qanun, violín), bordón (tanpura, armonio, gaita), rellenos melódicos (vientos).
• Voicing: afinaciones abiertas y modales (DADGAD, open G, open D, afinaciones del saz y del bouzouki), dobles cuerdas con cuerdas al aire, arpegios.

Melodía y voces

• La voz en el centro: la mayoría de las tradiciones son vocales; cada estilo tiene un timbre y un ornamento específicos: melisma y microtonos (canto árabe, flamenco, qawwali), kobushi (enka, min'yō japonés), sean-nós irlandés (ornamentos, rubato), canto «high lonesome» (bluegrass), fado (voz de pecho, rubato dramático), canto armónico (Tuvá), canto difónico y canto a tenore sardo (patrimonio UNESCO), coro búlgaro (voces abiertas, segundas disonantes).
• Ornamentación instrumental: cut, tap, roll y cran (flauta y gaita irlandesas), trinos y mordentes, glissandi y portamentos (erhu, sarangi, violín klezmer con los «krekhts», sollozos), meend y gamak (sitar, voz india), vibrato ancho.
• Formas vocales: estrófica con estribillo, responsorial (solista–coro), improvisación modal (taqsim, alap, doina), canto en heterofonía.
• Coros y armonías: armonías en terceras (Balcanes, Grecia, México, folk americano), coros al unísono (muchas músicas árabes y asiáticas), armonías cerradas de 2–3 voces en el bluegrass y el country (tenor sobre la melodía, barítono debajo).

Instrumentos

Cuerdas: guitarra flamenca y clásica, guitarra acústica, guitarra portuguesa, viola de fado, bouzouki, baglamas, oud, qanun, saz/bağlama, sitar, sarod, tanpura, banjo, mandolina, dobro, koto, shamisen, sanshin, biwa, pipa, guzheng, erhu, sarangi, violín/fiddle, kemençe, gadulka, cimbalom/tsimbl, arpa celta, balalaika, tumbi. Vientos: uilleann pipes, gaitas, gaida, tin whistle, flauta irlandesa, kaval, ney, duduk, zurna, shakuhachi, ryūteki, hichiriki, dizi, suona, bansuri, shehnai, clarinete (klezmer, Balcanes), trompeta y fliscorno (bandas balcánicas), armónica. Fuelles: acordeón, concertina, armonio, bayan. Percusiones: cajón, palmas, castañuelas, bodhrán, darbuka, riq, daf, tabla, dholak, dhol, chimta, tapan, taiko, kotsuzumi, gong, washboard. Voz y coros.

Patrones de batería

Sintetizadores y sonidos

• Augmented Strings — Pad de cuerdas para arreglos modernos: Cuerdas «cinematográficas» bajo instrumentos tradicionales (estilo Bollywood, C-pop, celtic pop): ataque lento, poco vibrato, filtro que deja espacio a las frecuencias medias de los instrumentos solistas.
• Augmented Voices — Coros y texturas vocales: Pads corales para producciones world-fusion y cinematográficas; mantenlos detrás de la voz solista tradicional.
• Mellotron V — Flautas y cuerdas vintage: El color folk-rock y prog de los años 60–70 (folk británico, psicodelia inspirada en la India): flautas y cuerdas de cinta.
• Prophet-5 V — Pads y bajos para fusión electrónica: Pads cálidos y bajos sintéticos para world-fusion y Afro/Arab/Asian pop electrónico; para el maqam usa el pitch bend o la microentonación con cautela.
• DX7 V — Teclados de los años 80 (Bollywood, C-pop, bhangra UK): Piano eléctrico FM, campanas y bajos que definieron el pop asiático e indio de los años 80; muchos presets recuerdan instrumentos de cuerda pulsada (koto, sitar sintéticos).
• Piano V — Piano para baladas y fusión: Piano para las baladas C-pop y para arreglos de jazz-world; registro central, poca reverb bajo la voz.

Estructura de la canción

Formas típicas

• Estrófica con o sin estribillo (baladas, fado, folk americano, rebetiko, canción de Bollywood con mukhra y antara).
• Formas de secciones repetidas de las danzas (AABB en las jigs y los reels irlandeses: cada parte de 8 compases repetida, el conjunto repetido 2–3 veces, y luego otra pieza en «set»).
• Improvisación + composición: taqsim → pieza medida (música árabe), alap → jor → jhala → gat (raga), doina lenta → danza rápida (klezmer y música rumana), cante libre → cante a compás (flamenco).
• Ciclo rítmico repetido como forma (compás flamenco organizado en letras, falsetas y remates; tala con tihai final).
• Forma pop en las versiones modernas (estrofa–pre–estribillo–bridge) con inserciones instrumentales tradicionales.

Proporciones

Una canción tradicional: 3–6 estrofas de 4–8 versos; un set de danzas irlandesas: 3 piezas × 3 vueltas = 4–6 minutos; un raga en concierto: 20–60 minutos; un tema de Bollywood: 4–6 minutos con preludio e interludios instrumentales.

Mezcla y masterización

Objetivo sonoro

Dos estéticas: documental/acústica (respetar el sonido de la interpretación y del espacio: transparencia, naturalidad, dinámica) y producción moderna (instrumentos tradicionales en un contexto pop, cinematográfico o electrónico: definición, impacto, loudness). En ambos casos la voz y el instrumento principal son el centro; el carácter tímbrico del instrumento tradicional no debe «normalizarse» hacia el sonido occidental.

Voz

• EQ: pasa-altos 70–100 Hz; −2 dB a 250–400 Hz si hay barro; presencia +1/+3 dB a 2–5 kHz con cautela (los melismas y los microtonos deben seguir sonando naturales); aire +1/+2 dB a 10–12 kHz en producciones modernas.
• Compresión: acústico 2:1, attack 10–30 ms, release 100–200 ms, 2–4 dB; moderno 3–4:1 + opto en serie (6–8 dB en total).
• Espacio: sala o hall natural (0,8–2 s); en el pop, delay sincronizado y plate.
• Corrección de afinación: nunca en cantos modales con microtonos (maqam, flamenco, raga): destruye la afinación correcta de la tradición.

Cuerdas pulsadas (guitarra, oud, bouzouki, sitar, koto…)

• Microfonía: condensador a 20–40 cm apuntando entre la boca y el mástil o hacia el puente, + segundo micrófono sobre la caja o en la sala; pickup piezo solo como complemento.
• EQ: pasa-altos 60–100 Hz (oud y guitarra 70–80 Hz; bouzouki y koto 100–120 Hz); −2/−3 dB a 200–300 Hz (retumbo); presencia 3–5 kHz para el ataque de la púa (risha, mizrab).
• Compresión ligera (2:1, attack 20–30 ms) para uniformar los trémolos.
• Sitar y tanpura: conserva la riqueza de los «jawari» (armónicos zumbantes) a 2–8 kHz.

Cuerdas frotadas y vientos

• Violín/fiddle/erhu: micrófono a 50 cm–1 m sobre el instrumento, pasa-altos 150–200 Hz, −2 dB a 2,5–4 kHz si suena estridente.
• Gaitas, uilleann pipes, zurna, gaida: muy potentes y ricas en armónicos: micrófono a 1–2 m, −2/−4 dB a 2–4 kHz si son agresivas; los bordones deben quedar presentes pero por debajo del chanter.
• Flautas (tin whistle, kaval, ney, shakuhachi, dizi, bansuri): micrófono a 30–60 cm, angulado para evitar el soplido directo; el soplido forma parte del sonido del shakuhachi y del ney.

Percusiones tradicionales

• Darbuka, tabla, cajón, bodhrán, dhol: un micrófono en el golpe grave (dentro o cerca del parche/agujero) y otro para los agudos a 30–50 cm. EQ: grave 60–120 Hz, «box» −2/−3 dB a 300–500 Hz, slap/tak 2–5 kHz. Compresión 3–4:1, attack 10–20 ms.
• Palmas, palmadas: par a 1–2 m, room natural; nunca sonidos de clap sampleados en su lugar en un contexto acústico.

Bajo y bordones

• Contrabajo: micrófono a 20–30 cm de la f-hole + DI; pasa-altos 35–40 Hz.
• Bordones (tanpura, armonio, shruti box): estéreo amplio y bajo en la mezcla, pero siempre audibles: definen la afinación.

Buses y grupos

Voz, instrumentos melódicos, acompañamiento, percusiones, bordones, elementos electrónicos (si los hay). En las fusiones, un bus para la electrónica con compresión glue separada.

Sidechain

Solo en producciones electrónicas: bombo → bajo/synth (2–4 dB) y, raramente, bombo → percusiones graves tradicionales para evitar el enmascaramiento.

Master

• Acústico/tradicional: −18/−14 LUFS integrados, true peak −1 dBTP, LRA 6–12 LU, compresión mínima.
• Pop/fusion: −11/−8 LUFS integrados, true peak −1 dBTP.

Errores comunes

• Corregir la afinación microtonal o «cuantizar» el rubato.
• EQ que quita el carácter (zumbidos, armónicos, ruidos del instrumento).
• Percusiones electrónicas que tapan las tradicionales.
• Reverbs «de catedral» en músicas nacidas en tabernas, plazas y casas.

Temas de referencia para la mezcla

• Paco de Lucía — Entre dos aguas (1973).
• Mariza — Ó gente da minha terra (Fado em mim, 2001).
• The Chieftains — The Long Black Veil (álbum, 1995).
• Nusrat Fateh Ali Khan — Mustt Mustt (Real World, 1990).
• Rosalía — Malamente (2018), para la producción flamenco-urbana.

Escucha de referencia

• Woody Guthrie — This Land Is Your Land (1944)
• Amália Rodrigues — Barco negro (1955)
• Umm Kulthum — Enta Omri (1964)
• Paco de Lucía — Entre dos aguas (1973)
• Planxty — The Well Below the Valley (1973)
• Teresa Teng — The Moon Represents My Heart (1977)
• Camarón de la Isla — La leyenda del tiempo (1979)
• Le Mystère des Voix Bulgares — Pilentze pee (1975/1986)
• Nusrat Fateh Ali Khan — Mustt Mustt (1990)
• A. R. Rahman — Chaiyya Chaiyya (Dil Se.., 1998)
• Panjabi MC — Mundian To Bach Ke (1998, hit internazionale 2002–2003)
• Jay Chou — 青花瓷 Qinghuaci / Blue and White Porcelain (2007)
• Rosalía — Malamente (2018)