Traditionelle japanische Musik

Geschichte und Charakter

Die traditionelle japanische Musik (Hōgaku) umfasst sehr unterschiedliche Genres, die in verschiedenen Epochen und sozialen Umfeldern entstanden sind. Das älteste ist das Gagaku, die Hofmusik chinesischen und koreanischen Ursprungs (der Begriff erscheint 701 mit der Einrichtung des Hofmusikamts, Gagaku-ryō; „japanische“ Form in der Heian-Zeit, 794–1185; heute bewahrt vom Musikdepartement des Kaiserlichen Hofamts und als Kulturgut anerkannt), mit Shō (Mundorgel), Hichiriki (Oboe), Ryūteki (Flöte), Biwa, Koto und Trommeln. Das Shōmyō ist der buddhistische liturgische Gesang. Das Theater hat die Musik des Nō (14. Jahrhundert: Utai-Gesang, Chor Jiutai und das Hayashi-Ensemble mit Nōkan-Flöte, Kotsuzumi, Ōtsuzumi und Taiko), des Kabuki (Nagauta mit Shamisen und Stimmen, Hayashi-Percussion, Effekte hinter der Bühne) und des Bunraku (Puppentheater mit dem Erzähler Gidayū und dem Shamisen Futozao) hervorgebracht.

Ab der Edo-Zeit (1603–1868) blühen die Kammermusik für Koto (Yatsuhashi Kengyō, 17. Jahrhundert, mit Stücken wie Rokudan no shirabe), für Shamisen (Jiuta) und deren Kombination mit Shakuhachi oder Kokyū (Sankyoku); die Shakuhachi der Komusō-Mönche der Fuke-Sekte mit dem meditativen Repertoire Honkyoku; die Min'yō-Volkslieder (Arbeits-, Fischer- und Festlieder: Sōran-bushi, Kokiriko-bushi), begleitet von Shamisen, Shakuhachi, Trommeln und Rufen (Kakegoe); die Festmusik (Matsuri-Bayashi). Im Norden entsteht im frühen 20. Jahrhundert das Tsugaru-Jamisen, virtuos und improvisiert, weltberühmt geworden durch die Yoshida Brothers (2000er-Jahre). Das Trommelensemble Kumi-Daiko entsteht 1951 mit Daihachi Oguchi und verbreitet sich mit Gruppen wie Ondekoza und Kodō (Sado, 1981). Okinawa hat eine eigene Tradition (Sanshin, Ryūkyū-Skala, Eisā-Tanz).

Das moderne Japan hat diese Traditionen mit der westlichen Musik verschmolzen: Michio Miyagi (Koto und moderne Musik, Haru no umi, 1929), Tōru Takemitsu (November Steps, 1967, für Biwa, Shakuhachi und Orchester), der Enka (sentimentales Lied mit Yonanuki-Pentatonik und Kobushi-Verzierungen), Pop und Rock mit traditionellen Instrumenten (Wagakki Band), Musik für Anime und Videospiele (Joe Hisaishi, Nobuo Uematsu), die Elektronik von Isao Tomita und Ryūichi Sakamoto. Ästhetische Konzepte: Ma (der Wert der Stille und des Zwischenraums zwischen den Klängen), Jo-ha-kyū (langsame Einleitung – Bruch/Entwicklung – schneller Abschluss), Wabi-sabi (Schönheit der Unvollkommenheit und Vergänglichkeit), Aufmerksamkeit für das Timbre und das Geräusch als Teil des Klangs (der Hauch der Shakuhachi, das Sawari-Schnarren von Shamisen und Biwa).

Tonleitern und Tonarten

Die japanische Musik verwendet vor allem pentatonische Skalen (anhemitonisch und hemitonisch), die nach der Theorie von Koizumi Fumio in Tetrachorden mit zwei „Kerntönen“ im Abstand einer reinen Quarte und einem beweglichen Mittelton organisiert sind. Römische Ziffern in Moll bezogen auf natürliches Moll; die Akkorde sind nur Näherungen für moderne Arrangements (die Tradition ist monodisch oder heterophon).

Yō („helle“ Skala, Min'yō)

• Formel 1 2 4 5 6 (Halbtöne 2-3-2-2-3) — D: D E G A H (Quelle: Wikipedia, Yo scale).
• Charakteristischer Ton: kein Halbton; offener, volkstümlicher, festlicher Klang; verwendet im Gagaku, im Shōmyō und in Volksliedern.
• Variante „Min'yō“ (zweiter Modus): D F G A C (1 b3 4 5 b7), die Grundskala der Shakuhachi 1,8 (Ro Tsu Re Chi Ri = D F G A C).
• Akkorde (Näherung): i (Dm) III (F) IV/iv (G) VII (C), oder Harmonisierungen ohne Terz.

In / Miyako-bushi („dunkle“ Skala, Stadt)

• Formel 1 b2 4 5 b6 (Halbtöne 1-4-2-1-4) — D: D Es G A B (Quelle: Wikipedia, In scale).
• Charakteristischer Ton: Halbtöne b2 und b6 über den Kerntönen: Melancholie, urbane Eleganz; die Skala von Koto und Shamisen der Edo-Zeit (Sakura Sakura verwendet diesen Skalentyp).
• Akkorde (Näherung, bezogen auf natürliches Moll): i (Dm oder D5) bII (Eb) iv (Gm) VI (Bb).
• Einsatz: Koto (Hirajōshi-Stimmung), Jiuta, Nagauta, viele „japanische“ Melodien im Film.

Hirajōshi (Stimmung der Koto)

• Mehr als eine Skala ist es die Standardstimmung der 13-saitigen Koto; westliche Quellen geben verschiedene Versionen der „Hirajōshi-Skala“ an, alle Modi derselben Struktur 2-1-4-1-4 (z. B. C D Es G As; Quelle: Wikipedia, Hirajōshi scale).
• Beispiel einer Stimmung (relativ): D G A B D Es G A B D Es G A (Praxiswert, die Tonika variiert).

Insen und Iwato

• Insen: 1 b2 4 5 b7 — D: D Es G A C (Quelle: Wikipedia, Insen scale).
• Iwato: 1 b2 4 b5 b7 — D: D Es G As C: die dissonanteste und geheimnisvollste Farbe.

Ritsu und Ryo (Gagaku)

Skalen chinesischen Ursprungs im Gagaku: Ryo (ähnlich der Dur-Pentatonik mit #4 als Durchgang) und Ritsu (ähnlich Dorisch/Yō).

Ryūkyū (Okinawa)

• Formel 1 3 4 5 7 — C: C E F G H.
• Charakteristischer Ton: Halbtöne 3–4 und 7–1 mit der großen Terz: sonniger, „tropischer“ Klang von Sanshin und okinawanischen Liedern (z. B. Shima Uta von The Boom, 1992, geschrieben mit okinawanischen Farben).
• Akkorde (Näherung): I (C) IV (F) V (G) iii (Em).

Yonanuki (Enka und Shōwa-Pop)

• Yonanuki chō-onkai (Dur ohne 4. und 7. Stufe): 1 2 3 5 6 — Dur-Pentatonik. Yonanuki tan-onkai (Moll ohne 4. und 7. Stufe): 1 2 b3 5 b6 — A: A H C E F (Quelle: Wikipedia, Enka). Sie ist die melodische Grundlage des Enka und vieler japanischer Popmusik der Mitte des 20. Jahrhunderts.

Wie man wählt

Yō und Min'yō für das Volkstümliche und Festliche, In/Miyako-bushi für die melancholische Eleganz von Koto und Shamisen, Iwato/Insen für das Geheimnisvolle, Ryūkyū für Okinawa, Yonanuki für den Enka; Ritsu/Ryo, um das Gagaku zu evozieren. Die Farbe entsteht auch aus den Kernintervallen (Quarten) und den Verzierungen (Gleiten, langsames Vibrato, Kobushi), nicht nur aus der Skala.

Harmonik

Melodie, Heterophonie und Klangfarben

• Die traditionelle japanische Musik ist monodisch oder heterophon: Stimme und Instrumente spielen dieselbe Linie mit Varianten und Phasenverschiebungen; es gibt keine funktionale Harmonik.
• Gagaku: Die Shō spielt die Aitake, Akkorde aus 5–6 Tönen (Cluster aus Sekunden und Quarten), die die Melodie der Hichiriki tragen: ein statischer, leuchtender Klang, der nicht „fortschreitet“.
• Koto und Shamisen: Doppelgriffe in Quarte, Quinte und Oktave, kurze Arpeggien, Tonrepetitionen; die „Harmonik“ entsteht aus den Resonanzen der leeren Saiten.
• Nō und Kabuki: freies Verhältnis zwischen Gesang, Flöte und Percussion, mit strukturellen Treffpunkten (keine Akkorde).
• Ma: Die Pausen und Ausklänge sind Teil der Form; ein verklingender Klang zählt so viel wie ein Akkord.

Moderne Harmonisierung (Enka, Pop, Film, Anime)

• Pentatonische Melodien, harmonisiert mit westlichen Progressionen: IV–V–iii–vi („Royal Road“, 4536), vi–IV–V–I, i–VI–VII–i in Moll, Kadenzen mit V7 (Enka).
• Offene Akkorde (Quarten und Quinten, sus2, add9), um nicht zu sehr zu „verwestlichen“; Orgelpunkte unter In/Miyako-bushi-Skalen.
• Takemitsu: postimpressionistische Harmonik (Debussy, Messiaen) neben traditionellen Klangfarben.

Harmonischer Rhythmus

In der Tradition nicht vorhanden; im modernen Pop 1–2 Akkorde pro Takt.

Typische Akkordfolgen

Rhythmus und Groove

• Jo-ha-kyū: Zeitprinzip, das auf ein Stück, einen Abschnitt oder sogar eine einzelne Phrase angewendet wird: langsamer, freier Beginn (Jo), Entwicklung und Beschleunigung (Ha), schneller Abschluss (Kyū), dann oft ein abschließendes Ritardando.
• Freier Rhythmus und Atem: Honkyoku der Shakuhachi (Dauern nach dem Atem), Gagaku (sehr langsamer, elastischer Puls), Einleitungen des Nō.
• Ma zwischen den Schlägen: Im Nō und Kabuki wechseln die Percussionsinstrumente (Kotsuzumi, Ōtsuzumi) Schläge und Kakegoe (rhythmische Rufe „yo“, „ho“, „iya“) ab, die den Raum zwischen den Klängen messen.
• Min'yō: regelmäßige Metren in 2/4 oder 4/4 (Tanzlieder, Bon-odori) oder frei (Arbeitslieder vom Typ Oiwake, mit langen Melismen).
• Matsuri-Bayashi und Kumi-Daiko: Ostinato-Rhythmen in 2/4 und 4/4 mit Grundpattern (Ji-uchi) und Variationen, kollektive Beschleunigungen.
• Tsugaru-Jamisen: Geschwindigkeit, Improvisation und perkussive Schläge des Bachi auf das Fell.
• Shōwa-Pop/Enka: langsamer 4/4, 6/8 und 3/4.

Schlagzeug

Die japanischen Percussion-Instrumente

• Taiko: Familie von Trommeln (Nagadō-Daiko, fassförmig; Shime-Daiko, klein und straff mit Schnüren gespannt; Ōdaiko, riesig; Okedō), gespielt mit Schlägeln (Bachi). Im Kumi-Daiko (Ensemble, seit 1951) hält eine Trommel das Ji-uchi (Grundpattern, oft eine Shime-Daiko mit „Don-ko don-ko“), die anderen spielen Phrasen, Soli, Unisono; die Choreografie (Haltung, Bewegungen) gehört zur Aufführung.
• Kotsuzumi (Sanduhrtrommel auf der Schulter, Klang durch Anziehen der Schnüre veränderbar) und Ōtsuzumi (an der Hüfte, trockener, hoher Schlag) im Nō und Kabuki; Kakko und Shōko (Gong) im Gagaku.
• Chappa (kleine Becken), Kane (Gong), Hyōshigi (Holzblöcke, im Kabuki geschlagen), Shamisen, perkussiv eingesetzt (Tsugaru).

Wie sie denken

• Der Schlag und die Stille nach dem Schlag sind gleich wichtig (Ma); die Kakegoe sind ein vokaler Rhythmus, der die Musiker koordiniert.
• Im Kumi-Daiko wächst die Form durch Schichtung und Beschleunigung (Jo-ha-kyū), mit Unisono aller Trommeln an den Schlüsselpunkten und einem Fortissimo-Finale.
• Extreme Dynamik: von der Berührung am Rand bis zum Schlag der Ōdaiko (körperlich, im Körper spürbar).

Im Pop, im Film und in Videospielen

Gesamplete Taiko als „epische Trommeln“ (Trailer, Hans Zimmer, Der letzte Samurai); im traditionellen J-Rock (Wagakki Band) Rock-Schlagzeug mit Taiko darüber; verwende echte oder gesamplete Taiko-Ensembles mit Round Robin, gestimmt und mit Raum.

Typische Fehler

Taiko wie ein durchgehendes Schlagzeug in 4/4 ohne Pausen einsetzen; Samples ohne Variation; die Kakegoe ignorieren; zu lange Hallräume, die die schnellen Schläge verwischen.

Bass

• In der Tradition gibt es keine Basslinie: Das Tiefe kommt von der Ōdaiko und den Nagadō-Daiko, von den tiefen Saiten der Koto (und von der Jūshichigen, der 17-saitigen Bass-Koto, 1921 von Michio Miyagi geschaffen), vom Shamisen Futozao (Bunraku), von der Biwa.
• Bordune: die Shō im Gagaku, das Shamisen mit leeren Saiten (Honchōshi C–F–C, Niagari C–G–C, Sansagari C–F–B: Quelle Wikipedia, Shamisen).
• Pop und Enka: E-Bass mit Grundtönen und Quinten; Kontrabass im orchestralen Enka; Synth-Bass in Anime-Titelmelodien.
• Verhältnis zur Percussion: Der moderne Bass muss dem Tiefen der Ōdaiko (40–80 Hz) Raum lassen.

Harmonieinstrumente

• Koto (13 Saiten, bewegliche Stege Ji, Plektren Tsume an drei Fingern): Arpeggien, Glissandi (die „Wellen“ von Sakura), Doppelgriffe, Verzierungen durch Drücken der Saite links vom Steg zur Erhöhung der Intonation (Oshide).
• Shamisen (3 Saiten, gespanntes Fell, Plektrum Bachi): Typen Hosozao (Nagauta), Chūzao (Jiuta), Futozao (Gidayū, Tsugaru); Sawari (Schnarren, erzeugt, indem die tiefe Saite gegen den Sattel schwingt); Stimmungen Honchōshi, Niagari, Sansagari.
• Biwa (Laute mit 4–5 Saiten und hohen Bünden; Satsuma-Biwa und Chikuzen-Biwa für das erzählende Epos, mit Sawari).
• Shō (Mundorgel mit 17 Bambuspfeifen: Aitake).
• Sanshin (Okinawa, 3 Saiten, Schlangenhaut).
• Kokyū (Streichinstrument mit 3–4 Saiten).
• Voicing: leere Saiten und Resonanzen; Doppelgriffe in Quarte und Quinte; Cluster der Shō.

Melodie und Gesang

• Melodieinstrumente: Shakuhachi (Bambusflöte mit 5 Grifflöchern, Techniken Meri/Kari zum Senken/Heben der Intonation durch Neigen des Kopfes, Muraiki = explosiver Hauch, langsame Vibrati, Glissandi), Ryūteki, Nōkan (Flöte des Nō mit hohem, bewusst „unsauberem“ Klang), Shinobue (Volksflöte der Feste), Hichiriki (Doppelrohrblatt des Gagaku, Gleiten „Enbai“).
• Gesang: im Min'yō kraftvolle Bruststimme, Melismen, Kobushi (unregelmäßige Oszillation innerhalb eines Tons, auch typisch für den Enka); im Nō Utai-Gesang mit breitem Vibrato und „innerem“ Timbre; im Gidayū Erzählung mit vielen Stimmen und Charakteren; im Nagauta gespannter, kontrollierter Gesang.
• Kakegoe: rhythmische Rufe und Ermunterungen.
• Chor: Jiutai des Nō (Männerchor im Unisono); Festchöre im Unisono.
• Ornamentik und Intonation: Mikrointervalle und Glissandi sind Stil; das Timbre (Hauch, Schnarren, Geräusch) ist Teil der Melodie.

Instrumente

Gagaku: Shō, Hichiriki, Ryūteki, Komabue, Gakubiwa, Gakusō (Hof-Koto), Kakko, Taiko, Shōko. Theater: Nōkan, Kotsuzumi, Ōtsuzumi, Shime-Daiko, Shamisen (Hosozao, Futozao), Hyōshigi. Kammer und Folk: Koto (13 Saiten), Jūshichigen (17 Saiten), Shamisen, Shakuhachi, Kokyū, Biwa (Satsuma, Chikuzen), Shinobue, Taiko (Nagadō, Shime, Ōdaiko, Okedō), Chappa, Kane. Okinawa: Sanshin, Sanba (Kastagnetten), Parankū (Trommel). Modern: Streicher, Gitarre, Bass, Schlagzeug, Synthesizer in Enka und Pop.

Drum-Patterns

Synthesizer und Sounds

• Prophet-5 V — Synths der YMO-Schule: Das Yellow Magic Orchestra (Haruomi Hosono, Yukihiro Takahashi, Ryūichi Sakamoto) verwendete den Prophet-5: Pads, Leads und Sequenzen für elektronische Fusionen mit japanischen Pentatonik-Skalen.
• Modular V — Elektronik im Stil von Isao Tomita: Tomita arbeitete mit einem großen Moog-Modularsystem: Oszillatoren, Filter und Hüllkurven für synthetische Flöten und Glocken, nützlich auch, um die Shakuhachi und den Gong zu evozieren.
• CS-80 V — Japanische Pads und Brass der 80er: Der CS-80 ist ein Yamaha-Synthesizer, Symbol der Soundtracks der 80er; ausdrucksstarke Pads mit Ribbon für Glissandi ähnlich der Shakuhachi.
• DX7 V — Koto und FM-Glocken: Der DX7 (Yamaha) hat historische Presets für Koto, Glocken und FM-Marimba: nützlich für City-Pop-, Anime- und Videospiel-Arrangements der 80er–90er.
• Augmented Strings — Streicher für Anime und Film: Langsame Streicher unter Koto und Shakuhachi (Stil Joe Hisaishi); Filter, um den mittleren Frequenzen der traditionellen Instrumente Raum zu lassen.

Songaufbau

Traditionelle Formen

• Jo-ha-kyū als formales Prinzip auf jeder Ebene (Programm eines Nō-Tages, einzelne Aufführung, Stück, Phrase).
• Danmono für Koto.
• Honkyoku für Shakuhachi: freie Form aus geatmeten Phrasen.
• Nō: feste Abfolge von Abschnitten (Shōdan) mit Gesang, Tanz und Instrumenten.
• Min'yō: Strophen mit Refrain und Kakegoe; instrumentale Einleitung (Maebiki) des Shamisen.
• Tsugaru-Jamisen: Improvisation über traditionelle Themen (Tsugaru jongara-bushi), mit langsamer Exposition und virtuosen Abschnitten.
• Kumi-Daiko: rituelle Einleitung, Ji-uchi, Soli im Wechsel, Unisono, abschließende Beschleunigung.

Pop, Enka und Film

Enka: instrumentales Intro (oft Gitarre oder Streicher) – Strophen – Refrain – Interlude – Strophen – Finale mit gehaltener Note und Kobushi. J-Pop: A-Melo – B-Melo – Sabi (Refrain).

Mixing und Mastering

Klangziel

Timbre, Stille und Raum: Jedes Instrument mit seiner eigenen Körnung (Hauch der Shakuhachi, Sawari des Shamisen, Anschlag der Koto), große Aufmerksamkeit für Ausklänge und Pausen (Ma), weite Dynamik, realistische akustische Umgebung (Holzsaal, Tempel, Nō-Bühne: kurzer, warmer Hall; Freiluft für Taiko). Referenzen: die Studio- und Live-Aufnahmen von Kodō, den Yoshida Brothers, den Nonesuch-Explorer-Ausgaben (Japan: Shakuhachi), von Takemitsu (November Steps).

Shakuhachi und Flöten

• Kondensatormikrofon in 50–100 cm, seitlich zum Mundstück (der Hauch soll erfasst werden, darf aber nicht dominieren); kein Poppschutz davor.
• EQ: Hochpass 100–150 Hz; der Hauch (4–8 kHz) ist zu kontrollieren, aber nicht zu eliminieren; keine starke Kompression (Pianissimo und Muraiki sind expressiv).
• Raum: Saal- oder Tempelhall 1,8–3 s, Pre-Delay 20–40 ms.

Koto

• Stereopaar in 40–80 cm über dem Instrument (es ist 1,8 m lang: tiefe Saiten auf der einen Seite, hohe auf der anderen) + eventuell ein Mikrofon unter/hinter dem Instrument für den Korpus.
• EQ: Hochpass 60–80 Hz; −2 dB bei 300–500 Hz, wenn es dröhnt; +1/+2 dB bei 4–8 kHz für den Anschlag der Tsume.
• Kompression: leicht (2:1).
• Stereo: breit, aber natürlich (L/R 40–60).

Shamisen und Biwa

• Mikrofon in 30–50 cm, zwischen Fell und Hals gerichtet; das Sawari (Schnarren 1–5 kHz) ist wesentlich: keine EQ, die es auslöscht.
• Tsugaru-Jamisen: Die Schläge des Bachi auf das Fell haben enorme Transienten: Kompression 3:1 mit Attack 10–20 ms, weicher Clipper für die Spitzen; Hochpass 80 Hz.

Taiko

• Ōdaiko und Nagadō: Mikrofone in 1–2 m (der Klang entfaltet sich in der Distanz), plus Raumpaar; nahe dynamische Mikrofone nur zur Verstärkung.
• EQ: Tiefen +2/+3 dB bei 50–80 Hz, −3 dB bei 300–500 Hz, Attack 2–4 kHz; Shime-Daiko Hochpass 150 Hz, +2 dB bei 3–5 kHz.
• Kompression: leicht oder keine bei akustischer Aufnahme (die Dynamik ist die Botschaft); im Pop und Film Parallelkompression.
• Raum: großer Saal oder Freiluft; Hall 1,5–2,5 s.
• Panning: nach der Anordnung des Ensembles (Ōdaiko Mitte hinten, Nagadō L/R, Shime vorn).

Gesang (Min'yō, Enka, Nō)

• Kondensator in 20–40 cm; Hochpass 80–100 Hz; Präsenz +1/+2 dB bei 3 kHz; Kompression Opto 2–3:1 (Min'yō hat starke Dynamik).
• Enka: Stimme sehr nah, Plate oder langer Hall (2–2,5 s) und Bandecho, stärkere Kompression (4:1).
• Nō: Mikrofon in 1–2 m, um den „inneren“ Gesang und den Saal einzufangen.

Pop und Anime mit traditionellen Instrumenten

Traditionelle Instrumente als Lead: Koto und Shakuhachi vorn (nicht im Pad begraben), Schlagzeug und Bass mit komplementärer EQ; leichter Sidechain der Pads auf den Gesang.

Busse und Gruppen

Bläser, gezupfte Saiten, Percussion, Stimmen, moderne Elemente; gemeinsamer Saalhall und ein langer für die Shakuhachi.

Master

• Traditionell: −20/−14 LUFS integriert, LRA 10–20 LU (Taiko und Shakuhachi haben extreme Dynamik), True Peak −1 dBTP.
• Pop/Enka/Anime: −11/−8 LUFS.

Häufige Fehler

• Hauch, Schnarren und Geräusche eliminieren: Sie sind Teil der Ästhetik.
• Taiko und Shakuhachi im akustischen Kontext komprimieren.
• Stille mit Hall oder Pads füllen: Das „Ma“ ist der Inhalt.
• Koto-/Shamisen-Samples ohne Artikulationen (Oshide, Glissandi) verwenden: Sie klingen unecht.

Referenzstücke für den Mix

• Kodō — O-Daiko (von den Live-Alben der Gruppe).
• Yoshida Brothers — Rising.
• Tōru Takemitsu — November Steps (1967).
• Michio Miyagi — Haru no umi (1929).
• Ryūichi Sakamoto — Merry Christmas Mr. Lawrence (1983).

Referenz-Hörbeispiele

• Gagaku — Etenraku (repertorio di corte, tōgaku)
• Yatsuhashi Kengyō (attr.) — Rokudan no shirabe (XVII secolo)
• Honkyoku — Shika no tōne (repertorio per shakuhachi)
• Tradizionale — Sakura Sakura
• Michio Miyagi — Haru no umi (1929)
• Tōru Takemitsu — November Steps (1967)
• Maki Ishii — Monochrome (per ensemble di taiko, 1976)
• Ryūichi Sakamoto — Merry Christmas Mr. Lawrence (1983)
• Takahashi Chikuzan — Tsugaru jongara-bushi
• The Boom — Shima Uta (1992)
• Yoshida Brothers — Rising
• Joe Hisaishi — One Summer's Day (La città incantata, 2001)