Música tradicional japonesa

Historia y carácter

La música tradicional japonesa (hōgaku) comprende géneros muy diversos, nacidos en épocas y ámbitos sociales distintos. El más antiguo es el gagaku, la música de corte de origen chino y coreano (el término aparece en 701 con la creación de la oficina de música de corte, Gagaku-ryō; forma «japonesa» en la era Heian, 794–1185; hoy conservado por el Departamento de Música del Palacio Imperial y reconocido como bien cultural), con shō (órgano de boca), hichiriki (oboe), ryūteki (flauta), biwa, koto y tambores. El shōmyō es el canto litúrgico budista. El teatro ha producido la música del nō (siglo XIV: canto utai, coro jiutai y el conjunto hayashi con flauta nōkan, kotsuzumi, ōtsuzumi y taiko), del kabuki (nagauta con shamisen y voces, percusiones hayashi, efectos fuera de escena) y del bunraku (teatro de marionetas con el narrador gidayū y el shamisen futozao).

Desde el período Edo (1603–1868) florecen la música de cámara para koto (Yatsuhashi Kengyō, siglo XVII, con piezas como Rokudan no shirabe), para shamisen (jiuta) y su combinación con el shakuhachi o el kokyū (sankyoku); el shakuhachi de los monjes komusō de la secta Fuke, con el repertorio meditativo honkyoku; los cantos populares min'yō (cantos de trabajo, de pesca, de fiesta: Sōran-bushi, Kokiriko-bushi), acompañados por shamisen, shakuhachi, tambores y gritos (kakegoe); la música de las fiestas (matsuri-bayashi). En el norte nace a principios del siglo XX el Tsugaru-jamisen, virtuosístico e improvisado, hecho célebre en el mundo por los Yoshida Brothers (años 2000). El conjunto de tambores kumi-daiko nace en 1951 con Daihachi Oguchi y se difunde con grupos como Ondekoza y Kodō (Sado, 1981). Okinawa tiene una tradición propia (sanshin, escala ryūkyū, danza eisā).

El Japón moderno ha fusionado estas tradiciones con la música occidental: Michio Miyagi (koto y música moderna, Haru no umi, 1929), Tōru Takemitsu (November Steps, 1967, para biwa, shakuhachi y orquesta), el enka (canción sentimental con escala pentatónica yonanuki y ornamentos kobushi), el pop y el rock con instrumentos tradicionales (Wagakki Band), la música para anime y videojuegos (Joe Hisaishi, Nobuo Uematsu), la electrónica de Isao Tomita y Ryūichi Sakamoto. Conceptos estéticos: ma (el valor del silencio y del intervalo entre los sonidos), jo-ha-kyū (introducción lenta – ruptura/desarrollo – conclusión rápida), wabi-sabi (belleza de la imperfección y de la impermanencia), atención al timbre y al ruido como parte del sonido (el soplo del shakuhachi, el zumbido sawari del shamisen y de la biwa).

Escalas y tonalidades

La música japonesa usa sobre todo escalas pentatónicas (anhemitónicas y hemitónicas) organizadas, según la teoría de Koizumi Fumio, en tetracordios con dos «notas nucleares» a distancia de cuarta justa y una nota intermedia móvil. Números romanos en menor referidos al menor natural; los acordes son solo aproximaciones para arreglos modernos (la tradición es monódica o heterofónica).

Yō (escala «luminosa», min'yō)

• Fórmula 1 2 4 5 6 (semitonos 2-3-2-2-3) — re: D E G A B (fuente: Wikipedia, Yo scale).
• Nota característica: ningún semitono; sonido abierto, popular, festivo; usada en el gagaku, en el shōmyō y en los cantos populares.
• Variante «min'yō» (segundo modo): D F G A C (1 b3 4 5 b7), la escala base del shakuhachi 1,8 (Ro Tsu Re Chi Ri = D F G A C).
• Acordes (aproximación): i (Dm) III (F) IV/iv (G) VII (C), o armonizaciones sin tercera.

In / miyako-bushi (escala «oscura», ciudad)

• Fórmula 1 b2 4 5 b6 (semitonos 1-4-2-1-4) — re: D Eb G A Bb (fuente: Wikipedia, In scale).
• Nota característica: semitonos b2 y b6 sobre las notas nucleares: melancolía, elegancia urbana; la escala del koto y del shamisen del período Edo (Sakura Sakura usa este tipo de escala).
• Acordes (aproximación, referidos al menor natural): i (Dm o D5) bII (Eb) iv (Gm) VI (Bb).
• Uso: koto (afinación hirajōshi), jiuta, nagauta, muchas melodías «japonesas» en el cine.

Hirajōshi (afinación del koto)

• Más que una escala, es la afinación estándar del koto de 13 cuerdas; las fuentes occidentales dan versiones distintas de la «escala hirajōshi», todas modos de la misma estructura 2-1-4-1-4 (p. ej. C D Eb G Ab; fuente: Wikipedia, Hirajōshi scale).
• Ejemplo de afinación (relativa): re sol la si♭ re mi♭ sol la si♭ re mi♭ sol la (dato de práctica, la tónica varía).

Insen e Iwato

• Insen: 1 b2 4 5 b7 — re: D Eb G A C (fuente: Wikipedia, Insen scale).
• Iwato: 1 b2 4 b5 b7 — re: D Eb G Ab C: el color más disonante y misterioso.

Ritsu y ryo (gagaku)

Escalas de origen chino usadas en el gagaku: ryo (similar a la pentatónica mayor con #4 de paso) y ritsu (similar al dórico/yō).

Ryūkyū (Okinawa)

• Fórmula 1 3 4 5 7 — do: C E F G B.
• Nota característica: semitonos 3–4 y 7–1 con la tercera mayor: sonido soleado y «tropical» del sanshin y de las canciones okinawenses (p. ej. Shima Uta de The Boom, 1992, escrita con colores okinawenses).
• Acordes (aproximación): I (C) IV (F) V (G) iii (Em).

Yonanuki (enka y pop Shōwa)

• Yonanuki chō-onkai (mayor sin 4.ª ni 7.ª): 1 2 3 5 6 — pentatónica mayor. Yonanuki tan-onkai (menor sin 4.ª ni 7.ª): 1 2 b3 5 b6 — la: A B C E F (fuente: Wikipedia, Enka). Es la base melódica del enka y de mucho pop japonés de mediados del siglo XX.

Cómo elegir

Yō y min'yō para lo popular y festivo, in/miyako-bushi para la elegancia melancólica del koto y del shamisen, iwato/insen para lo misterioso, ryūkyū para Okinawa, yonanuki para el enka; ritsu/ryo para evocar el gagaku. El color nace también de los intervalos nucleares (cuartas) y de los ornamentos (deslizamientos, vibratos lentos, kobushi), no solo de la escala.

Armonía

Melodía, heterofonía y sonoridades

• La música tradicional japonesa es monódica o heterofónica: voz e instrumentos tocan la misma línea con variantes y desfases; no existe armonía funcional.
• Gagaku: el shō toca los aitake, acordes de 5–6 notas (clusters de segundas y cuartas) que sostienen la melodía del hichiriki: una sonoridad estática y luminosa que no «progresa».
• Koto y shamisen: bicordios de cuarta, quinta y octava, arpegios breves, notas repetidas; la «armonía» nace de las resonancias de las cuerdas al aire.
• Nō y kabuki: relación libre entre canto, flauta y percusiones, con puntos de encuentro estructurales (no acordes).
• Ma: las pausas y los decaimientos son parte de la forma; un sonido que se apaga vale tanto como un acorde.

Armonización moderna (enka, pop, cine, anime)

• Melodías pentatónicas armonizadas con progresiones occidentales: IV–V–iii–vi («royal road», 4536), vi–IV–V–I, i–VI–VII–i en menor, cadencias con V7 (enka).
• Acordes abiertos (cuartas y quintas, sus2, add9) para no «occidentalizar» demasiado; pedales bajo escalas in/miyako-bushi.
• Takemitsu: armonías posimpresionistas (Debussy, Messiaen) junto a timbres tradicionales.

Ritmo armónico

Inexistente en la tradición; en el pop moderno 1–2 acordes por compás.

Progresiones típicas

Ritmo y groove

• Jo-ha-kyū: principio de tempo que se aplica a una pieza, a una sección o incluso a una sola frase: inicio lento y libre (jo), desarrollo y aceleración (ha), conclusión rápida (kyū), y después a menudo un ritardando final.
• Ritmo libre y respiración: honkyoku del shakuhachi (duraciones según la respiración), gagaku (pulsación muy lenta y elástica), introducciones del nō.
• Ma entre los golpes: en el nō y en el kabuki las percusiones (kotsuzumi, ōtsuzumi) alternan golpes y kakegoe (gritos rítmicos «yo», «ho», «iya») que miden el espacio entre los sonidos.
• Min'yō: metros regulares en 2/4 o 4/4 (cantos de danza, bon-odori) o libres (cantos de trabajo tipo oiwake, con melismas largos).
• Matsuri-bayashi y kumi-daiko: ritmos ostinatos en 2/4 y 4/4 con patrones base (ji-uchi) y variaciones, aceleraciones colectivas.
• Tsugaru-jamisen: velocidad, improvisación y golpes percusivos del bachi sobre el parche.
• Pop Shōwa/enka: 4/4 lento, 6/8 y 3/4.

Batería

Las percusiones japonesas

• Taiko: familia de tambores (nagadō-daiko en forma de barril, shime-daiko pequeño y tenso con cuerdas, ōdaiko gigante, okedō) tocados con baquetas (bachi). En el kumi-daiko (conjunto, desde 1951) un tambor lleva el ji-uchi (patrón base, a menudo un shime-daiko con «don-ko don-ko»), los demás tocan frases, solos, unísonos; la coreografía (postura, movimientos) forma parte de la ejecución.
• Kotsuzumi (tambor de reloj de arena sobre el hombro, sonido variable apretando las cuerdas) y ōtsuzumi (sobre la cadera, golpe seco agudo) en el nō y en el kabuki; kakko y shōko (gong) en el gagaku.
• Chappa (pequeños platillos), kane (gong), hyōshigi (bloques de madera golpeados en el kabuki), shamisen usado de forma percusiva (Tsugaru).

Cómo piensan

• El golpe y el silencio posterior al golpe son igualmente importantes (ma); los kakegoe son un ritmo vocal que coordina a los músicos.
• En el kumi-daiko la forma crece por estratificación y aceleración (jo-ha-kyū), con unísonos de todos los tambores en los puntos clave y el final fortísimo.
• Dinámica extrema: del toque en el borde al golpe del ōdaiko (físico, sentido en el cuerpo).

En el pop, el cine y los videojuegos

Taiko sampleados como «tambores épicos» (tráilers, Hans Zimmer, El último samurái); en el J-rock tradicional (Wagakki Band) batería rock con taiko por encima; usa conjuntos de taiko reales o sampleados con round robin, afinados y con espacio.

Errores típicos

Usar los taiko como una batería en 4/4 continuo, sin silencios; samples sin variación; ignorar los kakegoe; reverbs demasiado largas que empastan los golpes rápidos.

Bajo

• En la tradición no existe una línea de bajo: el grave viene del ōdaiko y de los nagadō-daiko, de las cuerdas graves del koto (y del jūshichigen, koto bajo de 17 cuerdas creado por Michio Miyagi en 1921), del shamisen futozao (bunraku), de la biwa.
• Bordones: el shō en el gagaku, el shamisen con las cuerdas al aire (honchōshi do–fa–do, niagari do–sol–do, sansagari do–fa–si♭: fuente Wikipedia, Shamisen).
• Pop y enka: bajo eléctrico con tónicas y quintas; contrabajo en el enka orquestal; synth bass en las sintonías de anime.
• Relación con las percusiones: el bajo moderno debe dejar espacio al grave del ōdaiko (40–80 Hz).

Instrumentos armónicos

• Koto (13 cuerdas, puentes móviles ji, plectros tsume en tres dedos): arpegios, glissandi (las «olas» de Sakura), bicordios, ornamentos presionando la cuerda a la izquierda del puente para subir la entonación (oshide).
• Shamisen (3 cuerdas, parche tenso, plectro bachi): tipos hosozao (nagauta), chūzao (jiuta), futozao (gidayū, Tsugaru); sawari (zumbido obtenido haciendo vibrar la cuerda grave contra el cejuelo); afinaciones honchōshi, niagari, sansagari.
• Biwa (laúd de 4–5 cuerdas con trastes altos; satsuma-biwa y chikuzen-biwa para la épica narrativa, con sawari).
• Shō (órgano de boca de 17 tubos de bambú: aitake).
• Sanshin (Okinawa, 3 cuerdas, piel de serpiente).
• Kokyū (instrumento de arco de 3–4 cuerdas).
• Voicing: cuerdas al aire y resonancias; bicordios de cuarta y quinta; clusters del shō.

Melodía y voces

• Instrumentos melódicos: shakuhachi (flauta de bambú de 5 orificios, técnicas meri/kari para bajar/subir la entonación inclinando la cabeza, muraiki = soplo explosivo, vibratos lentos, glissandi), ryūteki, nōkan (flauta del nō con un sonido agudo y «sucio» buscado), shinobue (flauta popular de las fiestas), hichiriki (lengüetas dobles del gagaku, deslizamientos «enbai»).
• Canto: en el min'yō voz de pecho potente, melismas, kobushi (oscilación irregular dentro de una nota, típica también del enka); en el nō canto utai con vibrato amplio y timbre «interior»; en el gidayū narración con muchas voces y caracteres; en el nagauta canto tenso y controlado.
• Kakegoe: gritos rítmicos y de aliento.
• Coro: jiutai del nō (coro masculino al unísono); coros de fiesta al unísono.
• Ornamentación y entonación: los microintervalos y los glissandi son estilo; el timbre (soplo, zumbido, ruido) es parte de la melodía.

Instrumentos

Gagaku: shō, hichiriki, ryūteki, komabue, gakubiwa, gakusō (koto de corte), kakko, taiko, shōko. Teatro: nōkan, kotsuzumi, ōtsuzumi, shime-daiko, shamisen (hosozao, futozao), hyōshigi. Cámara y folk: koto (13 cuerdas), jūshichigen (17 cuerdas), shamisen, shakuhachi, kokyū, biwa (satsuma, chikuzen), shinobue, taiko (nagadō, shime, ōdaiko, okedō), chappa, kane. Okinawa: sanshin, sanba (castañuelas), parankū (tambor). Moderno: cuerdas, guitarra, bajo, batería, sintetizadores en el enka y en el pop.

Patrones de batería

Sintetizadores y sonidos

• Prophet-5 V — Sintetizadores de la escuela YMO: La Yellow Magic Orchestra (Haruomi Hosono, Yukihiro Takahashi, Ryūichi Sakamoto) usaba el Prophet-5: pads, leads y secuencias para fusiones electrónicas con escalas pentatónicas japonesas.
• Modular V — Electrónica a lo Isao Tomita: Tomita trabajaba con un gran modular Moog: osciladores, filtros y envolventes para flautas y campanas sintéticas, útiles también para evocar el shakuhachi y el gong.
• CS-80 V — Pads y metales japoneses de los años 80: El CS-80 es un sintetizador Yamaha símbolo de las bandas sonoras de los años 80; pads expresivos con ribbon para glissandi similares al shakuhachi.
• DX7 V — Koto y campanas FM: El DX7 (Yamaha) tiene presets históricos de koto, campanas y marimba FM: útiles para arreglos de city pop, anime y videojuegos de los años 80–90.
• Augmented Strings — Cuerdas para anime y cine: Cuerdas lentas bajo koto y shakuhachi (estilo Joe Hisaishi); filtro para dejar espacio a las frecuencias medias de los instrumentos tradicionales.

Estructura de la canción

Formas tradicionales

• Jo-ha-kyū como principio formal en todos los niveles (programa de una jornada de nō, representación individual, pieza, frase).
• Danmono para koto.
• Honkyoku para shakuhachi: forma libre por frases respiradas.
• Nō: secuencia fija de secciones (shōdan) con canto, danza e instrumentos.
• Min'yō: estrofas con estribillo y kakegoe; introducción instrumental (maebiki) de shamisen.
• Tsugaru-jamisen: improvisación sobre temas tradicionales (Tsugaru jongara-bushi), con exposición lenta y secciones virtuosísticas.
• Kumi-daiko: introducción ritual, ji-uchi, solos por turnos, unísonos, aceleración final.

Pop, enka y cine

Enka: intro instrumental (a menudo guitarra o cuerdas) – estrofas – estribillo – interludio – estrofas – final con nota tenida y kobushi. J-pop: A-melo – B-melo – sabi (estribillo).

Mezcla y masterización

Objetivo sonoro

Timbre, silencio y espacio: cada instrumento con su grano (soplo del shakuhachi, sawari del shamisen, ataque del koto), gran atención a los decaimientos y a las pausas (ma), dinámica amplia, ambiente acústico realista (sala de madera, templo, escenario de nō: reverb corta y cálida; exterior para los taiko). Referencias: las grabaciones de estudio y en directo de Kodō, de los Yoshida Brothers, de las ediciones Nonesuch Explorer (Japan: Shakuhachi), de Takemitsu (November Steps).

Shakuhachi y flautas

• Micrófono de condensador a 50–100 cm, lateral respecto a la boquilla (el soplo debe captarse pero no dominar); sin filtro antipop delante.
• EQ: paso alto 100–150 Hz; el soplo (4–8 kHz) debe controlarse pero no eliminarse; ninguna compresión fuerte (el pianissimo y el muraiki son expresivos).
• Espacio: reverb de sala o templo 1,8–3 s, pre-delay 20–40 ms.

Koto

• Par estéreo a 40–80 cm sobre el instrumento (mide 1,8 m: las cuerdas graves a un lado, las agudas al otro) + eventual micrófono debajo/detrás para el cuerpo.
• EQ: paso alto 60–80 Hz; −2 dB a 300–500 Hz si retumba; +1/+2 dB a 4–8 kHz para el ataque de las tsume.
• Compresión: ligera (2:1).
• Estéreo: amplio pero natural (L/R 40–60).

Shamisen y biwa

• Micrófono a 30–50 cm apuntando entre el parche y el mástil; el sawari (zumbido 1–5 kHz) es esencial: ninguna EQ que lo cancele.
• Tsugaru-jamisen: los golpes del bachi sobre el parche tienen transitorios enormes: compresión 3:1 con attack 10–20 ms, clipper suave para los picos; paso alto 80 Hz.

Taiko

• Ōdaiko y nagadō: micrófonos a 1–2 m (el sonido se desarrolla a distancia), más par de ambiente; dinámicos cercanos solo para refuerzo.
• EQ: grave +2/+3 dB a 50–80 Hz, −3 dB a 300–500 Hz, ataque 2–4 kHz; shime-daiko paso alto 150 Hz, +2 dB a 3–5 kHz.
• Compresión: ligera o nula en grabación acústica (la dinámica es el mensaje); en el pop y en el cine, compresión paralela.
• Espacio: sala grande o exterior; reverb 1,5–2,5 s.
• Panorama: según la disposición del conjunto (ōdaiko al centro al fondo, nagadō L/R, shime delante).

Voz (min'yō, enka, nō)

• Condensador a 20–40 cm; paso alto 80–100 Hz; presencia +1/+2 dB a 3 kHz; compresión opto 2–3:1 (el min'yō tiene dinámicas fuertes).
• Enka: voz muy cercana, plate o hall largo (2–2,5 s) y eco de cinta, compresión más marcada (4:1).
• Nō: micrófono a 1–2 m para captar el canto «interior» y la sala.

Pop y anime con instrumentos tradicionales

Instrumentos tradicionales como lead: koto y shakuhachi delante (no enterrados en el pad), batería y bajo con EQ complementaria; sidechain ligero de los pads sobre la voz.

Buses y grupos

Vientos, cuerdas pulsadas, percusiones, voces, elementos modernos; reverb de sala común y una larga para el shakuhachi.

Máster

• Tradicional: −20/−14 LUFS integrados, LRA 10–20 LU (taiko y shakuhachi tienen dinámicas extremas), true peak −1 dBTP.
• Pop/enka/anime: −11/−8 LUFS.

Errores comunes

• Eliminar el soplo, el zumbido y los ruidos: son parte de la estética.
• Comprimir los taiko y el shakuhachi en un contexto acústico.
• Llenar los silencios con reverbs o pads: el «ma» es el contenido.
• Usar samples de koto/shamisen sin articulaciones (oshide, glissandi): suenan falsos.

Temas de referencia para la mezcla

• Kodō — O-Daiko (de los álbumes en directo del grupo).
• Yoshida Brothers — Rising.
• Tōru Takemitsu — November Steps (1967).
• Michio Miyagi — Haru no umi (1929).
• Ryūichi Sakamoto — Merry Christmas Mr. Lawrence (1983).

Escucha de referencia

• Gagaku — Etenraku (repertorio di corte, tōgaku)
• Yatsuhashi Kengyō (attr.) — Rokudan no shirabe (XVII secolo)
• Honkyoku — Shika no tōne (repertorio per shakuhachi)
• Tradizionale — Sakura Sakura
• Michio Miyagi — Haru no umi (1929)
• Tōru Takemitsu — November Steps (1967)
• Maki Ishii — Monochrome (per ensemble di taiko, 1976)
• Ryūichi Sakamoto — Merry Christmas Mr. Lawrence (1983)
• Takahashi Chikuzan — Tsugaru jongara-bushi
• The Boom — Shima Uta (1992)
• Yoshida Brothers — Rising
• Joe Hisaishi — One Summer's Day (La città incantata, 2001)