Spätromantik

Geschichte und Charakter

Die Spätromantik (etwa 1890–1920) treibt die Sprache des 19. Jahrhunderts auf die Spitze: gigantische Orchester, enorme Dauern, chromatische Harmonik, die die Tonalität bis an die Grenze dehnt, Mischung aus Erhabenem und Banalem, Sakralem und Volkstümlichem. Die Hauptfiguren im deutschsprachigen Raum sind Gustav Mahler (zehn Sinfonien, die letzte unvollendet, und Das Lied von der Erde 1909; die Sinfonie Nr. 8 „der Tausend“, Uraufführung München 1910; die Orchesterliederzyklen Kindertotenlieder und Rückert-Lieder) und Richard Strauss (sinfonische Dichtungen Don Juan 1888, Tod und Verklärung, Till Eulenspiegel, Also sprach Zarathustra 1896, Ein Heldenleben; die Opern Salome 1905, Elektra 1909, Der Rosenkavalier 1911; später die Vier letzten Lieder, 1948), dazu Anton Bruckner mit den letzten Sinfonien (Nr. 8 und Nr. 9), Hugo Wolf, Max Reger, Alexander Zemlinsky, Franz Schreker und der junge Arnold Schönberg (Verklärte Nacht 1899, Gurre-Lieder, Pelleas und Melisande) vor der Atonalität.

Anderswo: Sergei Rachmaninow (Klavierkonzert Nr. 2 1901, Nr. 3 1909, Sinfonie Nr. 2, Rhapsodie über ein Thema von Paganini 1934, noch in spätromantischem Stil), Alexander Skrjabin (von der Spätromantik zum Mystizismus: Poème de l'extase 1908, Prometheus 1910 mit dem „mystischen Akkord“), Edward Elgar (Enigma-Variationen 1899, Märsche Pomp and Circumstance, Cellokonzert), Jean Sibelius (sieben Sinfonien, Finlandia, das Violinkonzert), Carl Nielsen, Giacomo Puccini und die Veristen in Italien (siehe Italienische Oper), Ottorino Respighi (Pini di Roma, 1924), der das spätromantische Orchester in Italien fortführt.

Die Ästhetik: Expansion (Orchester mit 100–120 Mitgliedern, Sinfonien von 80–90 Minuten), progressive Tonalität (ein Werk, das in einer Tonart beginnt und in einer anderen endet: Mahlers Sinfonie Nr. 5 führt von cis-Moll nach D-Dur), Orchestrierung als eigenständige Kunst (Strauss, Mahler), Zitat von Volksmusik, Militär- und Blasmusik, Chorälen und Vogelgesang innerhalb der Sinfonie („Die Sinfonie muss sein wie die Welt, sie muss alles umfassen“, Mahler zugeschrieben in einem Gespräch mit Sibelius). Es ist auch der Klang, aus dem der Hollywood-Sinfonismus unmittelbar hervorgeht (Korngold und Steiner waren Schüler dieser Tradition).

Tonleitern und Tonarten

Erweiterte Tonalität bis an die Grenze: integrale Chromatik, nichtfunktionale Akkorde, Modi und symmetrische Skalen als Farben. Römische Ziffern in Moll beziehen sich auf natürliches Moll.

„Gesättigtes“ Dur und Moll

• Dur-Grundlage: 1 2 3 4 5 6 7 — D-Dur: D E Fis G A H Cis; Moll-Grundlage: 1 2 b3 4 5 b6 b7 — cis-Moll: Cis Dis E Fis Gis A H (harmonisch mit His).
• Jede Stufe kann alteriert werden: In der Praxis werden alle 12 Töne um eine Tonika herum verwendet, die bestehen bleibt (manchmal nur im Gedächtnis).
• Charakteristischer Ton: der ausgedehnte Leitton und chromatische Vorhalte, die nicht sofort auflösen; der Dur/Moll-Wechsel als Symbol (bei Mahler, Sinfonie Nr. 6, ist der Dreiklang, der von Dur zu Moll wird — A-Dur → a-Moll — das „Motto“ des Schicksals).
• Einsatz: Melodien mit weiten Sprüngen und Chromatik (Strauss), lange Streicherphrasen (Mahler, Adagietto der Nr. 5 in F-Dur).
• Häufiger Fehler: die Basslinie verlieren. Auch in der chromatischen Sättigung behalten Mahler und Strauss klare Bässe und Zielpunkte bei.

Pentatonik und „Orientalismus“

• Pentatonik: 1 2 3 5 6 — auf C: C D E G A. Mahler verwendet sie in Das Lied von der Erde (übersetzte chinesische Texte) für die Farbe des Orients, zusammen mit Ganztonskalen.

Ganztonleiter

• 1 2 3 #4 #5 b7 — auf C: C D E Fis Gis B. Schwebende, träumerische Farbe; Strauss und Puccini setzen sie in einzelnen Passagen ein; Dominante mit #5 (übermäßig) als Durchgangsakkord.

Oktatonik

• Ganzton–Halbton: C D Es F Ges As A H. In dieser Zeit vor allem russisch (Rimski-Korsakow, Skrjabin) und französisch; sie erzeugt verminderte Septakkorde und Dominantseptakkorde im Abstand kleiner Terzen.

Die „Skala“ des mystischen Akkords (Skrjabin)

• Mystischer Akkord: C Fis B E A D (in Quarten aufgebaut: übermäßig, vermindert, übermäßig, rein, rein). Die abgeleitete Skala (C D E Fis A B) steht der akustischen oder „Lydisch-Dominant“-Skala nahe: 1 2 3 #4 5 6 b7 (C D E Fis G A B), also die Obertöne 8–14 der natürlichen Reihe.
• Einsatz: Prometheus (1910), späte Klaviersonaten.

Modi

Lydisch und Mixolydisch für Natur und Volkstümliches (Mahler), Dorisch für das „Mittelalterliche“, Choräle im kirchlichen Stil (Bruckner, Mahler Nr. 2).

Wie man wählt

Die Farbe hängt vom Symbol ab: Dur/Moll für Schicksal und Hoffnung, Pentatonik für den Orient oder das Volkstümliche, Ganztonleiter für den Zauber, akustische/mystische Skala für die Ekstase, gesättigte Chromatik für Leidenschaft und Angst.

Harmonik

Erweiterte Tonalität

• Nonen-, Undezimen-, Tredezimenakkorde (Strauss, Mahler), Quartenakkorde (junger Schönberg, Skrjabin), halbverminderte Akkorde in Ketten (Erbe des Tristan).
• Lange chromatische Vorhalte, die zum Teil des Akkords werden; chromatische Stimmführung, in der sich jede Stimme um einen Halbton bewegt („nichtfunktionale“ Folgen, die sich besser durch die Stimmführung als durch Stufen erklären lassen).
• Chromatische Medianten und Tritonusbeziehungen (Strauss, Salome; Mahler).
• Progressive Tonalität: Das Stück oder der Zyklus endet in einer anderen Tonart als der Ausgangstonart (Mahler, Sinfonien Nr. 2, 4, 5, 7, 9; die Nr. 9 führt von D-Dur nach Des-Dur).
• Angedeutete Polytonalität und bitonale Akkorde (Strauss, Elektra: der „Elektra-Akkord“, zwei übereinandergelegte Dreiklänge, E-Dur und Des-Dur).
• Riesige Orgelpunkte (Mahler, Strauss: Also sprach Zarathustra beginnt mit einem gehaltenen tiefen C, Orgel und Kontrabässe, unter der Fanfare C–G–C und dem Wechsel Dur/Moll).
• Kadenzen: selten, aber entscheidend, oft durch sehr lange Dominanten vorbereitet; im Pianissimo verlöschende Schlüsse (Mahler, Nr. 9 und Das Lied von der Erde: „ewig… ewig“ auf dem C-Dur-Akkord mit hinzugefügter Sexte).

Harmonischer Rhythmus und Dichte

Sehr variabel: ganze Passagen über einem Akkord oder Orgelpunkt (Klang und Melodie im Vordergrund), andere mit Harmonien, die sich durch Chromatik bei jedem Viertel ändern. Hohe kontrapunktische Dichte: 6–10 reale Stimmen gleichzeitig bei Strauss und Mahler.

Satzweise

Akkorde, die über das gesamte Orchesterregister verteilt sind (von den Kontrabässen bei 40 Hz bis zu den hohen Violinen und Piccoloflöten), Verdopplungen der Themen über 3 Oktaven, divisi in den Streichern für Akkorde zu 8–12 Tönen (Strauss).

Typische Akkordfolgen

Rhythmus und Groove

• Rubato und bewegliche Tempi: in der Partitur ausgeschriebene Accelerandi und Ritenuti, häufige Tempowechsel, Luftpausen (Atempausen).
• Tänze als Material: Ländler (rustikaler österreichischer Tanz im 3/4, langsam und schwer) und oft groteske oder ironische Walzer (Mahler, Scherzi); stilisierter, nostalgischer Wiener Walzer (Strauss, Der Rosenkavalier).
• Märsche: militärisch, Trauer-, grotesk (Mahler, Sinfonie Nr. 1, III. Satz: Kanon „Frère Jacques“ in Moll als Trauermarsch; die Sinfonie Nr. 5 beginnt mit einem Trauermarsch; die Nr. 6 mit einem besessenen Marsch).
• Rhythmische Ostinati (der Paukenrhythmus des „Mottos“ in Mahlers Nr. 6), Polymetrik und Überlagerung von Schichten mit unterschiedlicher Geschwindigkeit (Mahler: eine Militärkapelle über einem Choral).
• Langsame, feierliche Choräle (Bruckner, Mahler Nr. 2, Finale).

Schlagzeug

Das spätromantische Schlagwerk

• Pauken (2 Paukisten, 6–8 Pauken bei Mahler): auf verschiedene Töne gestimmt, mit Melodien, Ostinati und Wirbeln, die dutzende Takte dauern können.
• Große Trommel, Becken (auch hängend), kleine Trommel, Tamtam, Triangel, Glockenspiel, Xylophon, Röhrenglocken und tiefe Glocken, Herdenglocken (Mahler, Sinfonien Nr. 6 und Nr. 7: das Echo der Almen), Hammer (Mahler, Sinfonie Nr. 6, Finale: die „Hammerschläge des Schicksals“, zwei oder drei in den verschiedenen Fassungen), Peitsche, Rute (Ruten auf der großen Trommel), Windmaschine und Donnermaschine (Strauss, Eine Alpensinfonie, 1915), Celesta, Mandoline und Gitarre (Mahler, Nr. 7 und Nr. 8), Orgel (Mahler Nr. 2 und Nr. 8, Strauss Zarathustra).
• Bühnenmusik hinter der Szene (Mahler, Sinfonie Nr. 2: ferne Blechbläser und Schlagwerk im Finale).

Wie sie rhythmisch denken

• Das Schlagwerk ist ein Orchester im Orchester: Es schichtet verschiedene Farben und Rhythmen.
• Die Höhepunkte werden durch sehr lange Crescendi von Pauken und großer Trommel, hängenden Becken mit Schlägeln und anwachsendem Tamtam vorbereitet; dann ein Schlag mit allen und ein plötzliches pp.
• Herdenglocken, Glocken und Bühnenmusik erzeugen Raum (Ferne, Echo, Erinnerung).

Typische Fehler

Alles gleichzeitig einsetzen (Matsch), Hammerschläge oder Tamtam ohne Vorbereitung, Schlagwerk ohne Raum (abgeschnittener Hall), fehlendes Pianissimo (Mahlers Schlagwerk steht oft im ppp).

Bass

• Kontrabässe (8–10, einige mit Erweiterung bis C1), Celli divisi, Tuba (auch zwei Tuben), Bass- und Kontrabassposaune, Kontrafagott, Bassklarinette, Wagner-Tuben (Bruckner 7–9, Strauss), Orgel mit 32'-Pedal.
• Linien: sehr lange Orgelpunkte (Zarathustra), Marsch-Ostinati, chromatische und absteigende Bässe für die tragischen Zonen, „Walking“-Bässe im Pizzicato in grotesken Abschnitten (Mahler).
• Klavier (Rachmaninow): tiefe Oktavbässe, Akkorde von 10–12 Tönen Umfang, im tiefen Register nachgeahmte Glocken (Konzert Nr. 2, Eröffnungsakkorde wie Glockenschläge).
• Frequenzen: Der Grundton reicht hinab bis 16–33 Hz (Orgel, erweiterte Kontrabässe); im Mix braucht man ein Monitoring mit Subwoofer oder verlässlichen Kopfhörern.

Harmonieinstrumente

• Streicher (bis 16-16-12-12-10 oder mehr), in viele Stimmen geteilt, mit Dämpfern, Flageoletts, expressiven Glissandi (Portamenti, von den Geigern der Zeit viel verwendet), col legno, Pizzicati.
• Vier- bis fünffache Holzbläser (mit Piccolo, Englischhorn, kleiner Es-Klarinette, Bassklarinette, Kontrafagott): extreme Farben, Holzbläser als „Glocken in der Luft“ (Mahler verlangt, die Schallbecher hochzuheben).
• Hörner 6–8 (8 in Mahlers Nr. 6, mit Wagner-Tuben bei Bruckner und Strauss), Trompeten 4–6, Posaunen 4, Tuba 1–2.
• Harfen (2–4), Celesta, Orchesterklavier, Orgel, Harmonium.
• Satzweise: Akkorde über 6–7 Oktaven, Verdopplung der Themen in 3 Oktaven, Innenharmonien in Hörnern und geteilten Bratschen; Strauss liebt die „goldenen“ Klänge von Hörnern, Streichern und Harfen zusammen.

Melodie und Gesang

• Sehr lange Melodien mit weiten Sprüngen (Sexte, Septime, None), dramatischen Höhepunkten, Chromatik und Vorhalten (Strauss: die „schwungvollen“ Themen von Don Juan und Ein Heldenleben).
• Volkstümliches und Banales als Material: Kinderlieder, Soldatenlieder, Ländler, Zitate von Volksliedern (Des Knaben Wunderhorn bei Mahler), Choräle.
• Stimmen: Lieder mit Orchester (Mahler, Strauss), Sinfonien mit Solisten und Chor (Mahler Nr. 2, 3, 4, 8), Opern mit riesigem Orchester und wagnerschen Stimmen (Strauss). Straussscher lyrisch-dramatischer Sopran (leuchtend, extremes Legato: Vier letzte Lieder), mahlerscher Alt (Urlicht, Das Lied von der Erde), Heldentenor.
• Chor: riesige Chormassen (Mahler Nr. 8, zwei gemischte Chöre und Knabenchor; Schönberg, Gurre-Lieder).
• Soloinstrumente als Stimme: „verstimmte“ Solovioline (Mahler, Nr. 4, Scherzo: um einen Ton höher gestimmte Violine als Violine des Todes), Posthorn hinter der Szene (Mahler, Nr. 3), Violoncello (Strauss, Don Quixote).

Instrumente

Orchester mit 100–120 Mitgliedern: Piccolo, 4 Flöten, 4 Oboen, Englischhorn, kleine Klarinette in Es, 3–4 Klarinetten, Bassklarinette, 3–4 Fagotte, Kontrafagott, 6–10 Hörner, Wagner-Tuben, 4–6 Trompeten, 4 Posaunen, 1–2 Tuben, Pauken (6–8), große Trommel, Becken, kleine Trommel, Tamtam, Triangel, Glockenspiel, Xylophon, Glocken, Herdenglocken, Hammer, Peitsche, Ruten, Wind- und Donnermaschine, Celesta, 2–4 Harfen, Klavier, Orgel, Harmonium, Mandoline, Gitarre; verstärkte Streicher; Gesangssolisten, gemischte Chöre und Knabenchöre; Bühnenmusik hinter der Szene.

Drum-Patterns

Synthesizer und Sounds

• Piano V — Klavier für Rachmaninow und Auszüge: Großes Flügelmodell mit reicher Resonanz für die spätromantischen Konzerte und um die Klavierauszüge der Sinfonien von Mahler und Strauss zu spielen.
• Augmented Strings — Geteilte Studio-Streicher: Um dichte Streicherakkorde und lange Crescendi zu skizzieren; überlagere mehrere Instanzen, um die divisi zu simulieren.
• Augmented Voices — Chormassen: Chorschichten, um die Klänge von Mahlers Nr. 2 und Nr. 8 auszuprobieren; ersetze sie dann durch einen gesampelten Chor.
• B-3 V — Orgel (Skizze): Um den Orgelpedalpart von Zarathustra oder des Finales von Mahler Nr. 2 zu skizzieren: alle tiefen Zugriegel offen, Leslie aus; für den echten Effekt braucht man eine gesampelte Pfeifenorgel.
• Synclavier V — Glocken und metallische Farben: Additive Synthese für Glocken, Celesta und „gläserne“ Farben, wenn keine geeigneten Samples zur Verfügung stehen.

Songaufbau

Spätromantische Sinfonie

• 4–6 Sätze (Mahler: Nr. 2 in 5, Nr. 3 in 6, Nr. 7 in 5), Dauer 60–90 Minuten; gedehnte Sonatenformen, riesige Scherzi, langsame Sätze als emotionaler Gipfel (Adagio der Nr. 9), Chorfinali oder Finali, die verklingen.
• Blockform und Form durch Kontraste (Bruckner: thematische Blöcke, durch Generalpausen getrennt; Mahler: Collage von Charakteren).

Straussische sinfonische Dichtung

Erzählendes Programm (Don Juan, Till Eulenspiegel in Rondoform, Don Quixote als Thema mit Variationen, Ein Heldenleben in sechs Abschnitten) mit Leitmotiven und thematischer Verwandlung.

Lied mit Orchester und Kantatensinfonie

Zyklen von 4–6 Liedern (Kindertotenlieder, Vier letzte Lieder), Das Lied von der Erde (6 Lieder für Tenor und Alt, letzter Satz „Der Abschied“ von etwa 30 Minuten).

Oper

Durchgehender Einakter (Salome, Elektra: etwa 100 Minuten ohne Unterbrechung) mit wagnerschen Leitmotiven; Musikkomödie (Der Rosenkavalier).

Arrangement und Dynamik

Extreme Kontraste: ppp einer Solovioline oder eines fernen Horns, dann fff von 100 Musikern. Die Übergänge entstehen durch Schichten: Man fügt jeweils eine Familie hinzu und baut Crescendi von 40–100 Takten; nach dem Höhepunkt oft ein plötzlicher Einbruch ins pp.

Mixing und Mastering

Klangziel

Die Masse bewältigen, ohne die Transparenz zu verlieren: Ein Orchester mit über 100 Mitgliedern samt Chor und Orgel muss tiefe, aber definierte Bässe, leuchtende Streicher, kraftvolles Blech ohne Härte, wirkungsvolles Schlagwerk und einen extremen Dynamikumfang haben (im Saal sogar 40–50 dB zwischen ppp und fff). Referenzen: Decca (Solti), DG (Bernstein, Abbado), Sony/CBS (Bernstein mit den New York Philharmonic), BIS und Pentatone bei modernen hochauflösenden und Mehrkanalaufnahmen.

Mikrofonierung

Decca-Tree + Outrigger + Ambient- und entfernte „Balkon“-Paare; Stützmikrofone für jede Gruppe, für Harfen, Celesta, Klavier, Orgel, Gesangssolisten; Stützmikrofone für die Bühnenmusik hinter der Szene (ferne Kapellen) und für die Glocken; Chor mit Hauptpaar und Stützmikrofonen pro Gruppe. Die Stützmikrofone müssen zeitlich ausgerichtet und leise gemischt werden.

Streicher

• EQ: Hochpass Stützmikrofone (Violinen 80 Hz, Bratschen 60, Celli 35, Kontrabässe 22–25); −1/−2 dB bei 250–400 Hz; im ff −1 dB bei 2,5–3,5 kHz, wenn sie hart sind; +1 dB bei 10–12 kHz auf dem Tree.
• Raum: Hall 2,2–2,8 s, Pre-Delay 20–30 ms. Panning wie im Saal (amerikanische oder antiphonale Aufstellung, je nach Dirigent: Mahler wird oft mit antiphonalen Violinen aufgeführt).

Holzbläser

Stützmikrofone pro Paar; Hochpass 100–150 Hz (tiefe Instrumente 30–40 Hz); im ff gehen die Holzbläser unter: Automation der Stützmikrofone +2/+4 dB in solistischen Passagen im Tutti (mit Fingerspitzengefühl).

Blech und Tuben

• Hörner links hinten (L 30–60), Trompeten Mitte-rechts (R 15–30), Posaunen und Tuben rechts (R 30–60), Wagner-Tuben nahe bei den Hörnern.
• Keine Kompression; im fff −1/−3 dB bei 2–3 kHz auf den Trompeten, wenn sie aggressiv sind; auf die Summe bei 80–200 Hz mit Kontrabässen und Pauken achten.

Schlagwerk

• Pauken: Hochpass 25–30 Hz, −2 dB bei 300 Hz, wenn sie dröhnen; Hammer und große Trommel: Transienten intakt lassen, Hochpass 20 Hz; Tamtam und Becken: auf den Ausklang bei 3–10 kHz achten.
• Herdenglocken und Glocken: Stützmikrofon mit längerem Hall für die Ferne.

Orgel, Harfen, Celesta, Klavier

• Orgel: entfernte Mikrofone im Saal (die Pfeifen sind verteilt); das Pedal (16–40 Hz) muss auf Systemen mit Subwoofer kontrolliert werden: Ein Hochpass bei 16–18 Hz vermeidet unnötigen Infraschall.
• Harfen: nahe Stützmikrofone für die Arpeggien, niedriger Pegel im Tutti; Celesta: Stützmikrofon in 50 cm.

Solostimmen und Chor

• Solisten: Stützmikrofon in 1–2 m; Hochpass 80–100 Hz; Automation, damit sie in den Orchesterliedern über dem Orchester hervortreten (die mit transparenter Orchestrierung gedacht sind).
• Chor: Hauptpaar + Stützmikrofone, Hochpass 80 Hz, gemeinsamer Hall.

Hinter der Szene (Kapellen, Posthorn)

Entferntes Mikrofon oder Stützmikrofon mit mehr Hall und einem leichten Tiefpass (−3 dB bei 8 kHz) für die Ferne; Panning nach der tatsächlichen Position.

Mit virtuellen Bibliotheken

• Nimm den größten verfügbaren Saal (Tree + Ambient + Outrigger), große Streichergruppen, Blech mit 6–8 Hörnern (oder verdopple die Patches), Schlagwerk mit entfernten Mikrofonen.
• Zeichne sehr lange Dynamikverläufe (CC1 und CC11) und Portamenti in den Streichern (Legato-Portamento-Patches).
• Bewältige die Masse durch das Arrangement, nicht durch EQ: Wenn alles laut ist, ist nichts laut.

Busse und Gruppen

Streicher, Holzbläser, Blech, Schlagwerk, Tasten/Harfen, Stimmen, Chor, hinter der Szene; gemeinsamer Hall + Fernhall. Kein Limiter auf den Bussen.

Sidechain

Nein.

Master

• Richtwert: −23/−18 LUFS integriert (die Sinfonien von Mahler und Strauss mit großer Dynamik liegen oft bei etwa −22/−18), Short-Term in den fff −10/−7, True Peak −1 dBTP, LRA 15–25 LU.
• Kette: minimaler EQ, keine Kompression (oder sehr langsam und < 1 dB), transparenter Limiter nur für die Spitzen von Hammer und Becken.

Häufige Fehler

• Komprimieren, um die Pianissimi zu „hören“: Es zerstört den Sinn der Form.
• Verschmierte Bässe (Orgel + Kontrabässe + Pauken + Tuba + Saal).
• Hohe Stützmikrofone, die die Tiefe einebnen; Bühnenmusik hinter der Szene zu nah.
• In der DAW: alles im ff, Streicher ohne Portamenti und Rubato, Schlagwerk ohne Hall.

Referenzstücke für den Mix

• Mahler — Sinfonie Nr. 2 „Auferstehung“ (Aufnahmen von Decca oder DG mit großer Dynamik).
• Mahler — Sinfonie Nr. 5, Adagietto (Referenzaufnahmen).
• Strauss — Also sprach Zarathustra (Aufnahmen mit echter Orgel; RCA Living Stereo, Fritz Reiner, Chicago Symphony, 1954, als historische Referenz).
• Strauss — Vier letzte Lieder (Lucia Popp, Jessye Norman oder Elisabeth Schwarzkopf).
• Rachmaninow — Klavierkonzert Nr. 2 (Referenzaufnahmen).

Referenz-Hörbeispiele

• Richard Strauss — Don Juan, op. 20 (1888)
• Gustav Mahler — Sinfonia n. 1 «Titano» (1888, rev. 1896)
• Richard Strauss — Also sprach Zarathustra, op. 30 (1896)
• Edward Elgar — Variazioni «Enigma», op. 36 (1899)
• Arnold Schoenberg — Verklärte Nacht, op. 4 (1899)
• Sergej Rachmaninov — Concerto per pianoforte n. 2 in do minore, op. 18 (1901)
• Gustav Mahler — Sinfonia n. 5, Adagietto (1902)
• Gustav Mahler — Sinfonia n. 6 «Tragica» (1904)
• Richard Strauss — Salome, op. 54 (1905)
• Aleksandr Skrjabin — Le Poème de l'extase, op. 54 (1908)
• Gustav Mahler — Das Lied von der Erde (1909)
• Richard Strauss — Vier letzte Lieder (1948)