Orchestrale

Storia e carattere

La colonna sonora orchestrale è l'erede diretta del sinfonismo tardoromantico europeo — Wagner (leitmotiv), Richard Strauss (poemi sinfonici), Čajkovskij, Holst (I pianeti), Korngold stesso, che prima di Hollywood era un compositore d'opera viennese. A Hollywood negli anni '30–'40 Max Steiner, Korngold, Alfred Newman, Franz Waxman, Miklós Rózsa codificano il «Golden Age sound»: grande orchestra, temi per i personaggi, musica quasi continua, sincronizzazione stretta con l'immagine.

Dopo un periodo (anni '60) in cui jazz, pop e partiture più piccole prendono spazio, John Williams con Lo squalo (1975), Guerre stellari (1977), Superman (1978), I predatori dell'arca perduta (1981), E.T. (1982) e poi Jurassic Park e Harry Potter riporta al centro il sinfonismo leitmotivico registrato dalla London Symphony Orchestra o da orchestre di studio di Los Angeles. Da lì discende una tradizione ancora viva: James Horner (Braveheart, Titanic), Jerry Goldsmith (Star Trek, Alien), Danny Elfman (Batman 1989), Howard Shore (Il Signore degli Anelli, 2001–2003, con un sistema di leitmotiv documentato in decine di temi), Alan Silvestri (Ritorno al futuro, Avengers), Michael Giacchino (Up, Star Trek), Alexandre Desplat (Grand Budapest Hotel), John Powell (Dragon Trainer) e, nel videogioco, compositori come Nobuo Uematsu e Jeremy Soule.

L'estetica: temi memorabili, orchestrazione che cambia colore a ogni ripresa, armonia tonale arricchita da mediante cromatiche e prestiti modali, dinamica enorme (dal solo d'oboe al tutti con coro), forma guidata dal racconto. In Italia il filone sinfonico ha avuto Nino Rota (Il Gattopardo, Il padrino), Morricone nei suoi lavori più lirici (Mission, Nuovo Cinema Paradiso), Luis Bacalov e Nicola Piovani. Oggi i grandi studi di registrazione orchestrale per il cinema sono Abbey Road Studio One e AIR Lyndhurst Hall a Londra, Sony/MGM Scoring Stage e Eastwood Scoring Stage a Los Angeles, Synchron Stage a Vienna, e i budget più piccoli si appoggiano a orchestre a Praga, Budapest, Macedonia del Nord o alle librerie campionate.

Scale e tonalità

Il linguaggio è tonale-modale: tonalità maggiore o minore come base, colorata da modi e prestiti. Numeri romani: in minore relativi al minore naturale.

Maggiore (ionico) — il tono eroico

• Formula 1 2 3 4 5 6 7; semitoni 2-2-1-2-2-2-1. Si bemolle maggiore: Bb C D Eb F G A.
• Nota caratteristica: 3 maggiore + sensibile (A in Bb): luce, sicurezza, la «casa» dell'eroe.
• Accordi: I (Bb) ii (Cm) iii (Dm) IV (Eb) V (F) vi (Gm) vii° (A°).
• Uso: fanfare di trombe e corni, temi principali con salto di quinta o ottava ascendente (Star Wars Main Title, in Si bemolle).
• Errore comune: armonizzare il tema solo con I–IV–V: suona da banda. Inserisci bVI, bVII, ii7, mediante cromatiche.

Lidio — la meraviglia

• Formula 1 2 3 #4 5 6 7; 2-2-2-1-2-2-1. Do lidio: C D E F# G A B.
• Nota caratteristica: #4 (F#): stupore, levitazione, magia benevola.
• Accordi: I (C) II (D) iii (Em) #iv° (F#°) V (G) vi (Am) vii (Bm).
• Uso: I–II/I su pedale (C – D/C) negli archi divisi e nell'arpa; melodie che toccano il #4 in tempo forte.
• Errore comune: usare il IV (F) nella stessa frase: cancella il colore.

Misolidio — l'avventura arcaica

• Formula 1 2 3 4 5 6 b7; 2-2-1-2-2-1-2. Re misolidio: D E F# G A B C.
• Nota caratteristica: b7 (C): eroismo «rustico», fantasy, mare, cavalieri.
• Accordi: I (D) ii (Em) iii° (F#°) IV (G) v (Am) vi (Bm) bVII (C).
• Uso: cadenze bVII–I e IV–bVII–I nei temi d'avventura; corni all'unisono.

Dorico — la nobiltà malinconica

• Formula 1 2 b3 4 5 6 b7; 2-1-2-2-2-1-2. Re dorico: D E F G A B C.
• Nota caratteristica: 6 maggiore (B): minore con una luce, epico-celtico.
• Accordi (relativi al minore naturale): i (Dm) ii (Em) III (F) IV (G) v (Am) #vi° (B°) VII (C).
• Uso: i–IV (Dm–G) per temi di popoli, terre, comunità (molto usato nel fantasy e nelle colonne di James Horner di gusto celtico).

Minore naturale (eolio) e minore armonico — il dramma

• Eolio: 1 2 b3 4 5 b6 b7; 2-1-2-2-1-2-2. Re minore: D E F G A Bb C. Accordi: i (Dm) ii° (E°) III (F) iv (Gm) v (Am) VI (Bb) VII (C).
• Armonico: 1 2 b3 4 5 b6 7; 2-1-2-2-1-3-1. Re minore armonico: D E F G A Bb C#. Accordi: i (Dm) ii° (E°) III+ (F+) iv (Gm) V (A) VI (Bb) vii° (C#°).
• Nota caratteristica: b6 (Bb) per il lutto; sensibile C# per la tensione verso la tonica e il destino.
• Uso: temi tragici, del cattivo, valzer malinconici; cadenze V–i con V maggiore e vii°7.
• Esempio: John Williams — Hedwig's Theme (Harry Potter, 2001), in Mi minore con frequenti cromatismi, affidato alla celesta.
• Errore comune: mescolare eolio e armonico a caso nella stessa linea melodica: decidi quando la sensibile serve (cadenza) e quando no (modale).

Frigio — la minaccia

• Formula 1 b2 b3 4 5 b6 b7; 1-2-2-2-1-2-2. Mi frigio: E F G A B C D.
• Nota caratteristica: b2 (F). Accordi (relativi al minore naturale): i (Em) bII (F) III (G) iv (Am) v° (B°) VI (C) vii (Dm).
• Uso: ostinati di semitono nei contrabbassi, i–bII negli ottoni gravi.

Cromatismo tardoromantico

• Non è una scala ma un uso: note di volta e di passaggio cromatiche, appoggiature, linee interne che salgono o scendono per semitono, accordi diminuiti e aumentati di passaggio. È il «colore Korngold-Williams» che distingue un tema cinematografico da una canzone.

Come scegliere

• Eroe: maggiore + misolidio nei momenti «di terra», lidio nei momenti «di volo».
• Amore: maggiore con iv minore e dominanti secondarie, o minore lirico.
• Villain: minore armonico, frigio, mediante minori, ottatonica.
• Mistero: lidio sospeso o esatonale. Lo stesso tema può passare da un modo all'altro: è il cuore del leitmotiv.

Armonia

Tardoromanticismo funzionale + colore

L'armonia della colonna sonora orchestrale è tonale (cadenze, dominanti, modulazioni) con un forte strato coloristico:

• Dominanti secondarie (V/vi, V/ii, V/IV) per dare slancio ai temi: in Do, E7–Am, A7–Dm, C7–F.
• Prestiti dal minore parallelo: iv (Fm), bVI (Ab), bVII (Bb), ii° — la «nostalgia» e l'«eroismo modale».
• Mediante cromatiche (C–Ab, C–E, C–Eb, C–A): passaggi di scena, rivelazioni, stupore.
• Accordi su pedale: Bb/C, Ab/C, F/C sopra un Do tenuto (ottoni e contrabbassi): fanfare «larghe».
• Sesta napoletana e seste eccedenti nei momenti tragici (eredità ottocentesca).
• Sospensioni e appoggiature: 4–3, 9–8, 7–6 negli archi: il «pianto» espressivo.
• Modulazioni: di un tono o semitono in su per la ripresa trionfale; per terza (mediante) per cambiare ambiente.

Ritmo armonico

Temi: 1–2 accordi per battuta; fanfare: 1 accordo ogni 1–2 battute su pedale; underscore: accordi lunghi 4–8 battute.

Voicing orchestrale

• Basso in ottava (violoncelli + contrabbassi), armonia centrale ai corni (4 corni = un accordo completo a 4 voci nel registro Fa3–Do5) e alle viole, melodia ai violini in ottava e/o alle trombe.
• Corali di ottoni: tromboni in posizione stretta sopra un basso di tuba in ottava larga.
• Nei pianissimo: archi divisi (divisi a 3–4 per sezione) con accordi aperti e armonici.

Contrappunto

Contromelodie nei violoncelli e nei corni sotto il tema dei violini, imitazioni tra legni, fugati nelle scene d'azione o di preparazione (Williams e Shore usano spesso brevi passaggi imitativi).

Progressioni tipiche

Ritmo e groove

• Temi lirici: metro 4/4 o 3/4, tempo flessibile (rubato), accompagnamento in crome legate o arpeggi d'arpa.
• Marce: 2/4 o 4/4 a 104–120, con figure puntate e terzine di slancio (Raiders March), rullante e ottoni ribattuti.
• Valzer: 3/4 per l'amore, il ballo, il grottesco o l'ironia.
• Azione: 4/4 a 130–170 con ostinati di archi in semicrome, cambi di metro (inserimento di battute di 3/4 o 5/8) per colpire gli hit point; accenti spostati sulle semicrome.
• Sincronizzazione: la mappa di tempo varia di battuta in battuta; un buon direttore o un buon programmatore mantiene la sensazione di fluidità anche con molti cambi.
• Swing: 0 (salvo cue jazz).

Batteria

Ruoli

• Timpani: la «cassa» dell'orchestra. Colpi su tonica e dominante all'inizio delle frasi, rulli in crescendo che portano al climax, figure ribattute sulle note del basso nelle marce. Accordali sull'armonia del passaggio (un timpano «sbagliato» rovina un accordo).
• Grancassa + piatti a due: insieme sul downbeat del climax o di una nuova sezione; nelle marce sui tempi forti (1 e 3).
• Piatto sospeso: rullo con mazze morbide in crescendo di 1–2 battute che si «apre» sul colpo; colpo singolo per gli accenti.
• Rullante: marce e scene militari (figure puntate, rulli); fuori da quel contesto si usa poco.
• Tam-tam: colpo lungo per morte, fine, rivelazione.
• Glockenspiel, celesta, xilofono, campane tubolari: raddoppi melodici (glockenspiel con i flauti o i violini due ottave sopra), magia (celesta), campane per chiese, matrimoni, funerali.

Dove cadono

• In una marcia in 4/4: grancassa su 1 e 3, piatti su 1, rullante su 2 e 4 con figure di semicroma sul «4e».
• In un tema eroico: colpo di timpano + piatto su 1 della frase, rullo di timpani nelle ultime 2 battute prima della ripresa.
• In un ostinato d'azione: toms orchestrali o timpani su 1 e «2&», grancassa sul primo tempo ogni 2 battute.

Dinamica, velocity e microtiming

• Le percussioni orchestrali seguono la forma: pp/p nei passaggi lirici, ff solo ai climax.
• Programmazione: velocity variabile (anche in un rullo la velocity cresce gradualmente), round robin attivi, piccoli spostamenti umani di ±5 ms. Gli impatti vanno anticipati di qualche millisecondo per cadere esattamente sul frame.

Interazione

Timpani e contrabbassi suonano spesso la stessa nota: allinea gli attacchi. I piatti non devono coprire i violini acuti nei climax (controlla 6–10 kHz).

Errori tipici

Percussioni da «trailer» in una partitura classica (troppi taiko), grancassa su ogni battuta, rulli di timpano senza crescendo, glockenspiel troppo forte (si sente sopra tutto).

Basso

• Violoncelli + contrabbassi in ottava: il basso standard (contrabbassi scritti un'ottava sopra il suono reale).
• Ottoni gravi: tuba e trombone basso nei corali e nei fortissimo; il cimbasso dà più «morso» nel registro grave.
• Legni gravi: fagotti, controfagotto e clarinetto basso nei passaggi leggeri o misteriosi.
• Arpa e pianoforte grave: rinforzi d'attacco (colpo di arpa grave + pizzicato dei contrabbassi).
• Organo per il sacro o il cosmico (pedale 16' e 32').
• Scelta delle note: fondamentali e quinte nelle fanfare; pedali di tonica o dominante sotto passaggi armonici mobili; linee scalari che conducono alle cadenze; basso discendente cromatico (lamento) nelle scene di perdita.
• Registro e frequenze: Mi1 (41 Hz) – Do3 (131 Hz) il cuore; evita di raddoppiare il basso con sub sintetici in un'orchestra «pura».

Strumenti armonici

Archi

• Violini I: tema principale (Sol4–La6), spesso raddoppiato all'ottava inferiore dai violini II o dall'ottava superiore dal flauto.
• Violini II e viole: armonia interna, ostinati, tremoli, arpeggi; nelle colonne sonore classiche spesso suonano figure in crome legate che danno movimento senza disturbare il tema.
• Violoncelli: secondo tema, controcanto, melodia calda nel registro Re3–La4.
• Contrabbassi: basso, pizzicato, pedale.

Legni

• Flauto: colori, raddoppi, trilli; flauto solista per la delicatezza (registro grave caldo, acuto brillante).
• Oboe/corno inglese: solo lirico, pastorale, dolente.
• Clarinetto: melodie calde, arpeggi rapidi, chalumeau misterioso.
• Fagotto: basso leggero, comicità, colore grave.

Ottoni

• Corni: il timbro eroico per eccellenza; unisoni a 4–8 per i temi, accordi tenuti, «rips» ascendenti.
• Trombe: fanfare, temi militari, punte d'energia; in sordina per il misterioso.
• Tromboni e tuba: corali, potenza, il «muro» dei climax.

Arpa, pianoforte, celesta, organo

Arpa per arpeggi e glissandi di transizione; celesta e pianoforte per la magia; organo per il sacro e il cosmico.

Coro

Coro misto per l'epico e il sacro (latino, sanscrito, lingue inventate), coro femminile o voci bianche per l'innocenza.

Voicing

Raddoppi per ottava sui temi, armonia completa nei corni e negli archi centrali, nessuna terza stretta sotto Do3, «spazio» libero nella banda della voce se c'è dialogo.

Melodia e voci

• Tema principale: incipit forte (salto di quinta o ottava, ritmo puntato o terzina), frase di 4+4 battute con apice nell'ultima parte, cadenza chiara. Il tema deve funzionare anche ridotto a 3–4 note (per citarlo in un underscore).
• Leitmotiv: un tema per ogni personaggio o idea, trasformato in modo, tempo, orchestrazione (es. il tema dell'Anello e quello della Contea in Shore; i temi di Luke, Leia e dell'Impero in Williams).
• Sviluppo: frammentazione (solo l'incipit), aumentazione (note lunghe e solenni), diminuzione (veloce, d'azione), riarmonizzazione (il tema dell'eroe in minore nel momento della sconfitta).
• Registri: tema ai violini in ottava (Re5–La6), oppure corni all'unisono (Do4–Fa5) o violoncelli (Re3–La4).
• Voci: coro in vocalizzi o testi latini; voce solista femminile per il lutto (es. Shore con Enya, Annie Lennox, Renée Fleming nel Signore degli Anelli); voce bianca per l'innocenza.
• Strumenti solisti: oboe (Gabriel's Oboe di Morricone), corno, violino, violoncello, tromba (Saving Private Ryan di Williams), flauto.

Strumenti

• Orchestra sinfonica completa: 16 violini I, 14 violini II, 12 viole, 10 violoncelli, 8 contrabbassi (o formazioni ridotte); legni a 3 (ottavino, flauti, oboi, corno inglese, clarinetti, clarinetto basso, fagotti, controfagotto); 6–8 corni, 3–4 trombe, 3 tromboni, tuba; timpani e 3–4 percussionisti; arpa (1–2), pianoforte, celesta, organo.
• Coro misto (40–100 voci), coro di voci bianche, solisti.
• Strumenti di colore: chitarra, mandolino, cimbalom, fisarmonica, strumenti etnici per luoghi specifici (duduk, erhu, sitar, uilleann pipes).

Pattern di batteria

Synth e suoni

• Augmented Strings — Rinforzo e layering archi: Strato morbido sotto gli archi campionati per riempire il sustain; tieni il lato sintetico basso (mix 10–25%) per non perdere il realismo.
• Augmented Voices — Coro di riempimento: Pad corale lontano (vocali «oo»/«ah») sotto un coro campionato o per i piani sonori in pianissimo.
• Mellotron V — Cori e flauti d'epoca: Per sfumature nostalgiche o retrò (fantasy anni '70); usa i nastri «Choir» e «Flute» con poco vibrato e riverbero di sala.
• CS-80 V — Brass e pad elettronici: Per colonne sonore orchestrali con una vena elettronica alla Vangelis: brass con attacco lento, vibrato via aftertouch, chorus leggero.
• Piano V — Pianoforte orchestrale: Steinway o Yamaha con microfoni lontani per farlo sedere nella stessa sala dell'orchestra; usa note singole e accordi aperti nel registro centrale.

Struttura del brano

Main title (forma sinfonica tipica)

Cue di scena

• Dialogo: pad di archi, solista discreto, nessuna percussione; entrata e uscita graduali.
• Azione: ostinati, frammenti dei temi, cambi di metro per gli hit point.
• Momento emotivo: tema lirico intero, crescendo verso il primo piano chiave.

Suite da concerto e album

I temi vengono riorganizzati in pezzi da 3–8 minuti in forma ternaria (A–B–A') o rondò. Molte suite di Williams sono nate così e sono entrate nel repertorio delle orchestre.

Arrangiamento: densità

Piano → mezzo → tutti: aggiungi raddoppi d'ottava e famiglie strumentali una per volta; il climax è l'unico momento con tutti gli ottoni e le percussioni; dopo il climax torna a un colore solo (oboe, violino, celesta).

Mix e master

Obiettivo sonoro

Una ripresa «da sala»: profondità naturale (archi davanti, legni al centro, ottoni e percussioni dietro), immagine stereo ampia e stabile, dinamica integra. Il riferimento è il suono di Abbey Road / AIR Lyndhurst o del Sony Scoring Stage. Per il film si consegnano stem; per l'album si mixa come un disco sinfonico.

Microfonazione (registrazione reale)

• Decca tree: tre omnidirezionali (tradizionalmente Neumann M 50) a circa 3–3,6 m d'altezza sopra il direttore; coppia laterale distante circa 1,5–2 m, microfono centrale circa 0,75 m in avanti. È il punto di partenza del mix.
• Outrigger: due omni ai lati dell'orchestra, sulla linea del tree, per la larghezza (circa 6 m tra loro).
• Ambient / room: coppia di omni verso il fondo della sala per la coda.
• Spot: microfoni vicini per sezione (archi, legni, ottoni, arpa, celesta, percussioni) da miscelare in poco, con ritardo allineato al tree (1 ms ogni 34 cm circa).

Mix con librerie (Spitfire BBC Symphony Orchestra, VSL Synchron, EastWest Hollywood Orchestra, Cinematic Studio Strings)

• Parti dal mic mix «Tree» (o dal mix predefinito della libreria), aggiungi Outrigger/Ambient per lo spazio e un tocco di Close per definizione (−10/−15 dB rispetto al tree). Usa la stessa scelta di microfoni per tutte le sezioni della stessa libreria.
• Mescolare librerie diverse: spegni i microfoni lontani della libreria più «secca» e mandala a un riverbero che imiti la sala dell'altra (Altiverb, Cinematic Rooms, VSL MIR Pro che posiziona gli strumenti in una sala virtuale).
• Dinamica: CC1 (modwheel) per il cross-fade di dinamica, CC11 per l'espressione; disegna le curve, non lasciarle piatte.
• Tempi d'attacco: i legato delle librerie hanno latenze di 50–300 ms; anticipa le note o usa un ritardo negativo della traccia (controlla i valori nel manuale della libreria).

Archi

• EQ: passa-alto violini 80–100 Hz, viole 60 Hz, violoncelli 35 Hz, contrabbassi 25 Hz; −2 dB a 250–350 Hz (Q 1) sugli spot; −1,5/−2,5 dB a 3 kHz (Q 2) se la libreria è aspra; shelf +1,5 dB a 10–12 kHz per l'aria.
• Compressione: assente sugli spot; sul bus archi al massimo 1–2 dB (ratio 1,5:1, attack 30–50 ms, release auto).
• Spazio: hall comune 2,2–2,8 s, pre-delay 20–30 ms.
• Panning (seating americano): violini I L 70, violini II L 30, viole R 20, violoncelli R 45, contrabbassi R 60 (con passa-basso che tiene il fondo vicino al centro).

Legni

• EQ: passa-alto 100–150 Hz; flauti +1 dB a 5–8 kHz se serve «aria»; oboe −2 dB a 1–1,4 kHz se nasale; fagotto passa-alto a 50 Hz.
• Spazio: pre-delay 10–20 ms, mandata al riverbero un po' più alta degli archi.
• Panning: flauti L 15, oboi R 10, clarinetti L 10, fagotti R 15.

Ottoni

• EQ: corni corpo 250–500 Hz, −2 dB a 600–800 Hz se «a scatola»; trombe −1,5/−3 dB a 2–3 kHz Q 2 se stridono, shelf leggero 8 kHz; tromboni e tuba passa-alto 30–35 Hz.
• Compressione: nulla o 1–2 dB sul bus ottoni (ratio 2:1, attack 20–30 ms).
• Spazio: più lontani: pre-delay 5–10 ms e mandata maggiore.
• Panning: corni L 30–50, trombe R 15–30, tromboni R 30–50, tuba R 45.

Percussioni

• Timpani: passa-alto 30 Hz, −2 dB 300–400 Hz se rimbombano; panning leggermente L o R dietro; riverbero abbondante.
• Grancassa, piatti, tam-tam: passa-alto 25–30 Hz (grancassa), 200 Hz (piatti); niente compressione; controlla le code.
• Tastiere a percussione: glockenspiel e celesta spesso troppo presenti: −3/−6 dB e −2 dB a 3–5 kHz.

Coro e solisti

• Coro: passa-alto 80–100 Hz, −2 dB 250–300 Hz, de-esser leggero, stesso riverbero dell'orchestra; panning soprani L, contralti L-C, tenori R-C, bassi R (o disposizione a blocchi).
• Solista: spot a 1–2 m, compressione opto 2:1 (2–3 dB), riverbero plate o hall più corto (1,8 s, pre-delay 50–80 ms) per staccarlo.

Bus e gruppi

Bus per sezione = stem: archi, legni, ottoni, percussioni, arpa/tastiere, coro, solisti. Ogni stem con il proprio ritorno di riverbero stampato. Un bus «Orchestra» con EQ di bilanciamento (−1 dB a 300 Hz, +0,5/+1 dB a 10 kHz) e, se serve, un tocco di saturazione a nastro.

Sidechain

Non si usa nella musica orchestrale classica. Il bilanciamento con il dialogo si fa in mixaggio finale con automazione.

Master

• Stem per il film: nessun limiter, picchi sotto −2 dBTP.
• Album: EQ minimo, eventualmente compressione molto lenta (1,2:1, 0,5–1 dB), limiter trasparente solo per controllare i picchi. Target indicativo −18/−16 LUFS integrati (fino a −14 per album più «moderni»), short-term nei climax −10/−8, true peak −1 dBTP, LRA 12–20 LU. Non normalizzare a −14 a ogni costo: la dinamica è parte dell'opera.

Errori comuni

• Riverberi diversi su ogni sezione (spazio incoerente).
• Close mic troppo alti (orchestra «in faccia», archi aspri).
• Dinamica disegnata solo con il volume e non con CC1 (i campioni ff suonati piano suonano finti).
• Basso troppo largo, timpani che coprono contrabbassi, glockenspiel e piatti che dominano gli acuti.
• Limiter sul master che appiattisce i crescendo.

Brani di riferimento per il mix

• John Williams — Main Title (Star Wars, 1977, London Symphony Orchestra).
• John Williams — Flying Theme (E.T., 1982).
• Howard Shore — The Bridge of Khazad-dûm (The Fellowship of the Ring, 2001).
• James Horner — For the Love of a Princess (Braveheart, 1995).
• John Powell — Test Drive (How to Train Your Dragon, 2010).

Ascolti di riferimento

• Erich Wolfgang Korngold — The Adventures of Robin Hood: Main Title (1938)
• John Williams — Main Title (Star Wars, 1977)
• John Williams — Raiders March (Raiders of the Lost Ark, 1981)
• John Williams — Flying Theme (E.T., 1982)
• Ennio Morricone — Gabriel's Oboe (Mission, 1986)
• James Horner — For the Love of a Princess (Braveheart, 1995)
• John Williams — Hedwig's Theme (Harry Potter and the Philosopher's Stone, 2001)
• Howard Shore — Concerning Hobbits (The Fellowship of the Ring, 2001)
• John Powell — Test Drive (How to Train Your Dragon, 2010)
• Alan Silvestri — The Avengers (2012)
• Michael Giacchino — Married Life (Up, 2009)