Más allá de las reglas básicas
Las reglas de la escritura a cuatro partes (conducción de voces, duplicaciones, quintas paralelas) están en la ficha "Escritura a cuatro partes SATB". Aquí se trata de la escritura para coro real: tesitura, texto, respiración, divisi, densidad, color. Referencias: Aldwell-Schachter para la conducción de voces, la tradición inglesa de las catedrales (Royal School of Church Music), la coralidad contemporánea (Whitacre, Lauridsen, Rutter, Arvo Pärt).
Tesitura antes que extensión
Un coro canta bien cuando cada sección está en su tesitura cómoda durante gran parte del tema (véase Extensiones vocales). Una regla práctica: las notas extremas se tocan, no se sostienen. Ejemplo: sopranos hasta G5 para una nota larga en forte en el clímax; el resto, entre D4 y D5.
Espaciado (spacing)
- Como máximo una octava entre soprano y contralto y entre contralto y tenor; entre tenor y bajo se puede llegar a una duodécima.
- Posición cerrada (las tres voces superiores dentro de una octava): sonido compacto y homogéneo.
- Posición abierta: sonido amplio y resonante, ideal para los clímax.
- Evitar terceras cerradas en el grave (bajos y tenores a distancia de tercera por debajo de C3).
Divisi: SSAATTBB y más allá
- Los divisi duplican las posibilidades armónicas pero reducen a la mitad el volumen de cada parte: para un coro de 24 personas, un divisi a 8 significa 3 voces por parte.
- Divisi típicos: sopranos en tercera para un acorde abierto, bajos en octava para el fundamento (B1 o C2 con los bajos profundos).
- Cluster: acordes de notas por grado conjunto (segundas), muy usados en la coralidad contemporánea. Eric Whitacre, Lux Aurumque (2000): acordes con segundas añadidas que "brillan" cuando el coro está bien afinado.
Acordes y tensiones en el coro
- El coro entona de oído: las tensiones (9, 11, 13) resultan más fáciles si llegan por grado y si la nota de tensión está preparada en otra voz.
- Las notas comunes sostenidas entre acordes ayudan a la afinación.
- Los acordes add9 y sus son característicos de la coralidad moderna (Morten Lauridsen, O Magnum Mysterium, 1994).
Texto y prosodia coral
- Silábico (una nota por sílaba) para la claridad; melismático para la expresión.
- Poner las consonantes finales juntas en todas las voces (indicarlas en la partitura: "cerrar la n en el tiempo 3").
- Vocales abiertas en las notas agudas largas.
- El texto debe ser comprensible: si todas las voces cantan palabras distintas en contrapunto, el texto se pierde (se resuelve con pasajes homorrítmicos en los puntos clave).
Tesituras y papeles que cambian
- Melodía en los tenores o en los contraltos: con las demás voces acompañando en "oo" o "mm".
- Boca cerrada (humming): pad coral, suave, excelente bajo un solista.
- Ostinato vocal: una sección repite una figura (a menudo los bajos) y las demás cantan el tema.
- Antifonía: dos semicoros que se responden (doble coro, tradición veneciana de Giovanni Gabrieli).
Respiración
Cada frase larga debe tener puntos de respiración indicados; para notas larguísimas se usa la respiración escalonada (staggered breathing): cada cantante respira en un momento distinto y el sonido se mantiene continuo.
Ejemplos
- Rachmaninov, Vísperas op. 37 (1915): amplios divisi y bajos profundos.
- Samuel Barber, Agnus Dei (1967, arreglo coral de su Adagio para cuerdas).
- Eric Whitacre, Lux Aurumque; Arvo Pärt, Magnificat (1989) con la técnica tintinnabuli.
Ejercicio práctico
Armoniza para coro SATB (con divisi SSAATTBB en el clímax) un texto de 4 versos en re mayor. Usa al menos: un pasaje a boca cerrada bajo un solo de soprano, un acorde add9 preparado por grado, un cluster de tres notas en las sopranos divisi, un clímax en posición abierta con las sopranos en F#5 durante dos compases. Marca todas las respiraciones.
Enlaces
Escritura a cuatro partes SATB, Armonías vocales y voicing para coro, Extensiones vocales, Coro cinematográfico, Canon e imitación.